Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Elegy (F. Chaliapin / 1931)

Aldrei sýndi M. Massenet eins vel og í „Werther“ hina heillandi eiginleika hæfileikans sem gerði hann að tónlistarsögufræðingi kvensálarinnar. C. Debussy

Ó hvernig ógleði Massenet!!! Og það sem er mest pirrandi af öllu er að í þessu ógleði Mér finnst eitthvað tengt mér. P. Tchaikovsky

Debussy kom mér á óvart með því að verja þetta sælgæti (Massenet's Manon). I. Stravinsky

Sérhver franskur tónlistarmaður hefur dálítið af Massenet í hjarta sínu, rétt eins og allir Ítalir hafa smá af Verdi og Puccini. F. Poulenc

Misjafnar skoðanir samtímamanna! Þær innihalda ekki aðeins smekks- og væntingarbaráttu, heldur einnig tvíræðni í verkum J. Massenet. Helsti kosturinn við tónlist hans er í laglínunum sem, að sögn tónskáldsins A. Bruno, „þú munt þekkja meðal þúsunda“. Oftast eru þau nátengd orðinu, þar af leiðandi óvenjulegur sveigjanleiki þeirra og tjáningarhæfileiki. Mörkin á milli laglínu og resitativs eru nánast ómerkjanleg og því er óperusenum Massenets ekki skipt í lokuð númer og „þjónustuþætti“ sem tengja þær saman, eins og raunin var með forvera hans – Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Kröfur þverskurðaraðgerða, tónlistarraunsæis voru raunverulegar kröfur tímabilsins. Massenet útfærði þá á mjög franskan hátt og endurvekja hefðir aftur til JB Lully á margan hátt. Upplestur Massenets byggir þó ekki á hátíðlegum, örlítið prúðum upplestri hörmulegra leikara, heldur listlausu hversdagslegu tali einfaldrar manneskju. Þetta er helsti styrkur og frumleiki texta Massenet, þetta er líka ástæðan fyrir mistökum hans þegar hann sneri sér að harmleik klassísku týpunnar („The Sid“ samkvæmt P. Corneille). Fæddur textahöfundur, söngvari innilegra hreyfinga sálarinnar, fær um að gefa kvenmyndum sérstaka ljóð, hann tekur oft á sig hörmuleg og prýðilega söguþræði „stóru“ óperunnar. Leikhús Óperunnar Comique er honum ekki nóg, hann verður líka að ríkja í Stóru óperunni, sem hann gerir nánast Meyerbeerískar tilraunir til. Svo, á tónleikum eftir tónlist ýmissa tónskálda, bætir Massenet, leynilega frá samstarfsmönnum sínum, stórri blásarasveit við tónverk sitt og reynist hetja dagsins, sem gerir áhorfendur heyrnarlausa. Massenet gerir ráð fyrir sumum afrekum C. Debussy og M. Ravel (recitative stíll í óperu, hápunktur hljóma, stílfærsla á frönskum frumtónlist), en starfar samhliða þeim, er enn innan fagurfræði XNUMX. aldar.

Tónlistarferill Massenet hófst með inngöngu hans í tónlistarskólann tíu ára gamall. Brátt flytur fjölskyldan til Chambéry, en Jules getur ekki verið án Parísar og flýr tvisvar að heiman. Aðeins önnur tilraunin heppnaðist, en fjórtán ára drengurinn þekkti allt hið órólega líf listrænu bóhemarinnar sem lýst er í Scenes … eftir A. Murger (sem hann þekkti persónulega, sem og frumgerðir Schoenard og Musetta). Eftir að hafa sigrað margra ára fátækt, vegna mikillar vinnu, hlýtur Massenet Rómarverðlaunin miklu, sem veittu honum rétt á fjögurra ára ferð til Ítalíu. Frá útlöndum snýr hann aftur árið 1866 með tvo franka í vasanum og með píanónema, sem síðan verður eiginkona hans. Frekari ævisaga Massenet er samfelld keðja sívaxandi velgengni. Árið 1867 var fyrsta óperan hans, Stóra frænkan, sett upp, ári síðar fékk hann fastan útgefanda og hljómsveitarsvítur hans slógu í gegn. Og svo skapaði Massenet æ þroskaðri og merkari verk: óperurnar Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), óratoríuóperuna Mary Magdalene (1873), tónlist fyrir Erinyes eftir C. Leconte de Lily (1873) með hinni frægu „Elegy“, en lag hennar birtist strax árið 1866 sem eitt af tíu píanóverkunum – fyrsta útgefna verki Massenets. Árið 1878 varð Massenet prófessor við Tónlistarháskólann í París og var kjörinn meðlimur í Frakklandsstofnun. Hann er í miðpunkti athygli almennings, nýtur ástríkis almennings, er þekktur fyrir ævarandi kurteisi og gáfur. Hápunktur verks Massenets eru óperurnar Manon (1883) og Werther (1886) og enn þann dag í dag hljóma þær á sviðum margra leikhúsa um allan heim. Fram að ævilokum hægði tónskáldið ekki á sköpunarstarfsemi sinni: án þess að veita sjálfum sér eða hlustendum hvíld, samdi hann óperu eftir óperu. Hæfni vex, en tímarnir breytast og stíll hans er óbreyttur. Sköpunargjöfin minnkar verulega, sérstaklega á síðasta áratug, þó Massenet njóti enn virðingar, heiðurs og allra veraldlegra blessana. Á þessum árum voru samdar óperurnar Thais (1894) með hinni frægu hugleiðslu, The Juggler of Our Lady (1902) og Don Quixote (1910, eftir J. Lorrain), sem skapaðar voru sérstaklega fyrir F. Chaliapin.

Massenet er grunnt, talinn stöðugur óvinur hans og keppinautur K. Saint-Saens, „en það skiptir ekki máli.“ „... Listin þarfnast alls kyns listamanna … Hann hafði sjarma, hæfileikann til að heilla og taugaveiklaða, þó grunna skapgerð … Í orði, mér líkar ekki svona tónlist … En hvernig geturðu staðist þegar þú heyrir Manon við fæturna af de Grieux í helgidóminum Saint-Sulpice? Hvernig á ekki að vera fangaður í djúp sálarinnar af þessum ástargrátum? Hvernig á að hugsa og greina ef þú ert snortinn?

E. skyrta

Massenet, sonur járnnámueiganda, fær sína fyrstu tónlistarkennslu frá móður sinni; við tónlistarháskólann í París nam hann hjá Savard, Lauren, Bazin, Reber og Thomas. Árið 1863 hlaut hann Rómarverðlaunin. Eftir að hafa helgað sig ýmsum tegundum starfar hann einnig ötullega á leiklistarsviðinu. Árið 1878, eftir velgengni konungsins af Lahore, var hann skipaður prófessor í tónsmíðum við tónlistarháskólann, en því starfi gegndi hann til ársins 1896, þegar hann, eftir að hafa náð heimsfrægð, hætti öllum störfum, þar á meðal forstöðumaður Institut de France.

„Massenet gerði sér fulla grein fyrir sjálfum sér og sá sem vildi stinga hann í augun, talaði leynilega um hann sem nemanda hins tískulagasmiðs Paul Delmay, byrjaði að grínast með ósmekklegan smekk. Þvert á móti var líkt eftir Massenet, það er satt… samhljómur hans eru eins og faðmlög, og laglínur hans eru eins og bogadregnir hálsar… Svo virðist sem Massenet hafi orðið fórnarlamb fallegra hlustenda sinna, sem aðdáendur þeirra flögruðu ákaft í langan tíma að honum sýningar... Ég játa, ég skil ekki hvers vegna það er betra að elska gamlar dömur, Wagner-elskendur og heimsborgarkonur, en ilmandi ungar dömur sem spila ekki mjög vel á píanó. Þessar fullyrðingar Debussy, kaldhæðnislega til hliðar, eru góð vísbending um verk Massenets og þýðingu þess fyrir franska menningu.

Þegar Manon varð til höfðu önnur tónskáld þegar skilgreint persónu franskrar óperu alla öldina. Lítum á Faust eftir Gounod (1859), Les Troyens eftir Berlioz (1863), The African Woman eftir Meyerbeer (1865), Thomas' Mignon (1866), Carmen eftir Bizet (1875), Saint-Saens' Samson og Delilah (1877), "The Tales". of Hoffmann“ eftir Offenbach (1881), „Lakme“ eftir Delibes (1883). Auk óperuframleiðslu er vert að minnast á merkustu verk César Franck, samin á árunum 1880 til 1886, sem gegndu svo mikilvægu hlutverki við að skapa munúðarfulla og dulræna stemningu í tónlist aldarinnar. Á sama tíma rannsakaði Lalo þjóðsögur vandlega og Debussy, sem hlaut Rómarverðlaunin 1884, var nálægt lokamótun stíls síns.

Hvað aðrar listgreinar varðar hefur impressjónismi í málaralist þegar lifað af gagnsemi sinni og listamenn sneru sér að bæði náttúrulegri og nýklassískri, nýrri og dramatískri myndlýsingu á formum eins og Cezanne. Degas og Renoir fóru ákveðnari að náttúrulegri lýsingu á mannslíkamanum, en Seurat árið 1883 sýndi málverk sitt "Bathing", þar sem hreyfingarleysi fígúranna markaði snúning að nýju plastbyggingu, ef til vill táknrænt, en samt steinsteypt og skýrt. . Táknmál var rétt að byrja að gægjast í gegn í fyrstu verkum Gauguin. Náttúruleg stefna (með einkennum táknfræði á félagslegum bakgrunni) er þvert á móti mjög skýr á þessum tíma í bókmenntum, sérstaklega í skáldsögum Zola (árið 1880 birtist Nana, skáldsaga úr lífi kúrtisans). Í kringum rithöfundinn myndast hópur sem snýr sér að myndinni af óásjálegri eða að minnsta kosti óvenjulegri veruleika fyrir bókmenntir: á árunum 1880 til 1881 velur Maupassant hóruhús sem sögusvið fyrir sögur sínar úr safninu „Hús Tellier“.

Allar þessar hugmyndir, fyrirætlanir og tilhneigingar er auðvelt að finna í Manon, þökk sé tónskáldinu sem lagði sitt af mörkum til óperulistarinnar. Þessari órólegu byrjun fylgdi langur þjónusta við óperuna, þar sem ekki alltaf fannst hentugt efni til að sýna kosti tónskáldsins og eining skapandi hugtaksins varðveittist ekki alltaf. Þar af leiðandi koma fram ýmsar gerðir mótsagna á stílstigi. Á sama tíma, að flytjast frá verismo til decadence, frá ævintýri til sögulegrar eða framandi sögu með fjölbreyttri notkun á raddþáttum og hljómsveit, olli Massenet áhorfendum sínum aldrei vonbrigðum, þó ekki væri nema að þakka frábærlega unnnu hljóðefni. Í öllum óperum hans, jafnvel þótt þær hafi ekki tekist í heild sinni, er eftirminnileg síða sem lifir sjálfstæðu lífi utan hins almenna samhengis. Allar þessar aðstæður tryggðu Massenet frábæran árangur á diskógrafískum markaði. Á endanum eru bestu dæmin hans þau þar sem tónskáldið er sjálfum sér samkvæmt: ljóðrænt og ástríðufullt, blíður og tilfinningaríkur, miðlar lotningu sinni til þeirra hluta aðalpersónanna sem eru mest í takt við hann, elskendur, sem eru ekki framandi við fágunina. af sinfónískum lausnum, unnin með auðveldum hætti og án takmarkana skólapilta.

G. Marchesi (þýtt af E. Greceanii)

Höfundur tuttugu og fimm ópera, þriggja balletta, vinsælra hljómsveitarsvíta (Neapolitan, Alsatian, Scenes Picturesque) og margra annarra verka í öllum tegundum tónlistarlistar, Massenet er eitt af þeim tónskáldum sem ekki hafa upplifað alvarlegar raunir. Mikill hæfileiki, mikil fagleg færni og lúmskur listhneigður hjálpuðu honum að ná almennri viðurkenningu snemma á áttunda áratugnum.

Hann uppgötvaði snemma hvað hentaði persónuleika hans; eftir að hafa valið þema sitt var hann ekki hræddur við að endurtaka sig; Hann skrifaði auðveldlega, án þess að hika, og til að ná árangri var hann tilbúinn að gera skapandi málamiðlun við ríkjandi smekk hins borgaralega almennings.

Jules Massenet fæddist 12. maí 1842, sem barn fór hann inn í tónlistarháskólann í París, þaðan sem hann útskrifaðist árið 1863. Eftir að hafa dvalið sem verðlaunahafi þess í þrjú ár á Ítalíu sneri hann aftur árið 1866 til Parísar. Þrálát leit að leiðum til dýrðar hefst. Massenet skrifar bæði óperur og svítur fyrir hljómsveit. En einstaklingseinkenni hans kom betur fram í raddleikjum („Herðarljóð“, „Vetrarljóð“, „aprílljóð“, „októberljóð“, „ástarljóð“, „minningarljóð“). Þessi leikrit voru samin undir áhrifum Schumanns; þeir lýsa einkennandi vöruhúsi hins upprennandi söngstíls Massenets.

Árið 1873 hlýtur hann loks viðurkenningu – fyrst með tónlist fyrir harmleik Aeschylusar „Erinnia“ (frjáls þýðing Leconte de Lisle), og síðan – „helgileikur“ „Mary Magdalene“, flutt á tónleikum. Með innilegum orðum óskaði Bizet Massenet til hamingju með árangurinn: „Nýi skólinn okkar hefur aldrei skapað neitt þessu líkt. Þú rakst mig í hita, illmenni! Ó, þú, stæltur tónlistarmaður ... Fjandinn hafi það, þú ert að trufla mig með einhverju! ..». „Við verðum að veita þessum náunga eftirtekt,“ skrifaði Bizet einum vina sinna. "Sjáðu, hann mun stinga okkur í beltið."

Bizet sá fyrir framtíðina: fljótlega endaði hann sjálfur stutta ævi og Massenet tók á næstu áratugum leiðandi stöðu meðal franskra nútíma tónlistarmanna. Á áttunda og níunda áratugnum voru frábærustu og frjósamustu árin í starfi hans.

„María Magdalena“, sem opnar þetta tímabil, er eðlislægri óperu en óratoría, og kvenhetjan, iðrandi syndara sem trúði á Krist, sem kom fram í tónlist tónskáldsins sem nútíma Parísarbúi, var máluð í sömu litum. sem kurteisan Manon. Í þessu verki var uppáhalds hringur mynda og tjáningaraðferða Massenets ákvarðaður.

Upphafið með Dumas son og síðar Goncourt-hjónunum, gallerí kvenkyns, tignarlegt og taugaveiklað, áhrifamikið og viðkvæmt, viðkvæmt og hvatvíst, festi sig í sessi í frönskum bókmenntum. Oft eru þetta tælandi iðrunarfullir syndarar, „dömur hins hálfa heims“, sem dreymir um þægindi í fjölskylduarni, um friðsæla hamingju, en brotnar í baráttunni við hræsnara borgaralega veruleika, neyddir til að gefast upp drauma, frá ástvini, frá lífið… (Þetta er innihald skáldsagna og leikrita Dumas sonar: The Lady of the Camellias (skáldsaga – 1848, leiksýning – 1852), Diana de Liz (1853), The Lady of the Half World (1855); sjá einnig skáldsögur Goncourt bræðranna „Rene Mauprin“ (1864), Daudet „Sappho“ (1884) og fleiri.) Samt sem áður, burtséð frá söguþræðinum, tímum og löndum (raunverulegum eða skálduðum), sýndi Massenet konu úr borgaralegum hring sínum, sem einkenndi innri heim hennar á næman hátt.

Samtímamenn kölluðu Massenet „skáld kvensálarinnar“.

Í kjölfar Gounods, sem hafði mikil áhrif á hann, getur Massenet, með enn meiri rökstuðningi, verið í hópi „skóla tauganæmni“. En ólíkt hinum sama Gounod, sem notaði í sínum bestu verkum ríkari og fjölbreyttari liti sem sköpuðu hlutlægan bakgrunn fyrir lífið (sérstaklega í Faust), er Massenet fágaðari, flottari, huglægari. Hann er nær ímynd kvenlegrar mýktar, náðar, líkamlegrar náðar. Í samræmi við þetta þróaði Massenet upp einstakan uppreisnarstíl, upphrópandi í grunninn, miðlar innihald textans á lúmskan hátt, en mjög melódískar, og óvænt uppkomnar tilfinningalegar „sprengingar“ tilfinninga eru aðgreindar með víðtækri melódískri öndun:

Hljómsveitarhlutinn einkennist einnig af fínleika frágangsins. Oft er það í henni sem melódíska meginreglan þróast, sem stuðlar að sameiningu hins hléa, viðkvæma og viðkvæma raddþáttar:

Svipaður háttur verður brátt dæmigerður fyrir óperur ítölsku veristanna (Leoncavallo, Puccini); aðeins tilfinningasprengingar þeirra eru skaplegri og ástríðufyllri. Í Frakklandi var þessi túlkun á sönghlutanum tekin upp af mörgum tónskáldum seint á XNUMXth og snemma XNUMXth öld.

En aftur til sjöunda áratugarins.

Hin óvænt unnu viðurkenning veitti Massenet innblástur. Verk hans eru oft flutt á tónleikum (myndrænar senur, Phaedra forleikurinn, Þriðja hljómsveitarsvítan, Heilaga dramakvöldið og fleiri) og Stóróperan setur upp óperuna King Lagorsky (1877, úr indversku lífi; trúardeilur eru bakgrunnur). ). Aftur frábær árangur: Massenet var krýndur með lárviðarmerki fræðimanns - þrjátíu og sex ára gamall varð hann meðlimur í Frakklandsstofnun og var fljótlega boðið sem prófessor við tónlistarskólann.

Hins vegar, í „King of Lagorsk“, sem og síðar skrifað „Esclarmonde“ (1889), er enn margt frá venju „stóróperunnar“ – þessari hefðbundnu tegund fransks tónlistarleikhúss sem er löngu búinn að klára listræna möguleika sína. Massenet fann sig að fullu í sínum bestu verkum – „Manon“ (1881-1884) og „Werther“ (1886, frumflutt í Vínarborg 1892).

Svo, þegar hann var fjörutíu og fimm ára, náði Massenet tilætluðum frægð. En þar sem hann hélt áfram að vinna af sama krafti, næstu tuttugu og fimm ár ævi sinnar, víkkaði hann ekki aðeins hugmyndafræðilegan og listrænan sjóndeildarhring sinn, heldur beitti hann leikrænum áhrifum og tjáningarmáta sem hann hafði áður þróað á ýmsar óperuslóðir. Og þrátt fyrir að frumsýningar þessara verka hafi verið innréttaðar með stöðugum glæsibrag, þá gleymast flest þeirra verðskuldað. Eftirfarandi fjórar óperur eru samt sem áður ótvíræðar áhugaverðar: „Thais“ (1894, söguþráður skáldsögu eftir A. France er notaður), sem, hvað varðar fínleika laglínunnar, nálgast „Manon“; „Navarreca“ (1894) og „Sappho“ (1897), sem endurspegla sannkölluð áhrif (síðasta óperan var skrifuð eftir skáldsögu A. Daudet, söguþráðurinn nálægt „Lady of the Camellias“ eftir Dumason, og þar með „Verdis“. La Traviata"; í "Sappho" margar blaðsíður af spennandi, sannri tónlist); "Don Quixote" (1910), þar sem Chaliapin hneykslaði áhorfendur í titilhlutverkinu.

Massenet lést 13. ágúst 1912.

Í átján ár (1878-1896) kenndi hann tónsmíðatíma við tónlistarháskólann í París og menntaði marga nemendur. Þeirra á meðal voru tónskáldin Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, klassík rúmenskrar tónlistar, George Enescu og fleiri sem síðar öðluðust frægð í Frakklandi. En jafnvel þeir sem ekki lærðu hjá Massenet (til dæmis Debussy) voru undir áhrifum frá tauganæmum, sveigjanlegum í tjáningarmöguleika, upprennandi raddstíl hans.

* * *

Heilindi hinnar ljóðrænu dramatísku tjáningar, einlægni, sannleikur í flutningi titrandi tilfinninga – þetta eru kostir ópera Massenets, sem koma skýrast fram í Werther og Manon. Hins vegar vantaði tónskáldið oft karlmannlegan styrk í að koma lífsins ástríðum, dramatískum aðstæðum, átakainnihaldi á framfæri og þá sló í gegn einhver fágun, stundum stofuljúfmeti, í tónlist hans.

Þetta eru einkennandi merki um kreppu skammlífrar tegundar frönsku „ljóðóperunnar“, sem tók á sig mynd á sjöunda áratugnum, og á sjöunda áratugnum tók ákaft í sig nýjar framsæknar strauma frá nútímabókmenntum, málverki, leikhúsi. Engu að síður, þegar þá komu einkenni takmörkunar í ljós hjá honum, sem nefnd voru hér að ofan (í ritgerðinni tileinkað Gounod).

Snilldin í Bizet sigraði þröng mörk "ljóðóperunnar". Með því að dramatíska og víkka út efni snemma tónlistar- og leikhústónverka sinna, sem endurspegla sannleikann og dýpra andstæður raunveruleikans, náði hann hæðum raunsæis í Carmen.

En frönsk óperumenning hélst ekki á þessu stigi, vegna þess að áberandi meistarar hennar á síðustu áratugum 60. aldar höfðu ekki ósveigjanlega fylgni Bizet við meginreglur við að halda fram listhugsjónum sínum. Frá lokum 1877, vegna styrkingar afturhaldslegra einkenna í heimsmyndinni, fór Gounod, eftir sköpun Faust, Mireil og Rómeó og Júlíu, frá framsæknum þjóðlegum hefðum. Saint-Saens sýndi aftur á móti ekki tilhlýðilega samkvæmni í skapandi leit sinni, var rafrænn og aðeins í Samson og Delilah (1883) náði hann umtalsverðum árangri, þó ekki fullkomnum árangri. Að vissu marki voru nokkur afrek á sviði óperunnar einnig einhliða: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (Konungur borgarinnar Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Öll þessi verk innihéldu mismunandi söguþráð, en í tónlistartúlkun þeirra fóru áhrif bæði „stóru“ og „lýrísku“ óperunnar saman að einu eða öðru marki.

Massenet reyndi líka fyrir sér í báðum tegundum og hann reyndi árangurslaust að uppfæra úreltan stíl „stóróperunnar“ með beinum textum, skiljanlegum tjáningaraðferðum. Mest af öllu laðaðist hann að því sem Gounod lagaði í Faust, sem þjónaði Massenet sem óaðgengilegri listrænni fyrirmynd.

Félagslífið í Frakklandi eftir Parísarkommúnuna lagði hins vegar fram ný verkefni fyrir tónskáld - það var nauðsynlegt að sýna betur raunveruleg átök raunveruleikans. Bizet tókst að fanga þá í Carmen, en Massenet komst undan því. Hann lokaði sig á tegund ljóðrænnar óperu og þrengði efni hennar enn frekar. Sem stór listamaður endurspeglaði höfundur Manon og Werther auðvitað að hluta í verkum sínum reynslu og hugsanir samtíðarmanna sinna. Þetta hafði sérstaklega áhrif á þróun tjáningarmáta fyrir tauganæmt tónlistarmál, sem er meira í takt við anda nútímans; Afrek hans eru mikilvæg bæði í smíði „í gegnum“ ljóðrænar senu óperunnar og í fíngerðri sálfræðilegri túlkun hljómsveitarinnar.

Á tíunda áratugnum var þessi uppáhalds tegund Massenet búinn að klárast. Áhrifa frá ítalska óperuverismo fer að gæta (þar á meðal í verkum Massenets sjálfs). Nú á dögum eru nútíma þemu virkari fullyrt í franska tónlistarleikhúsinu. Leiðbeinandi í þessu sambandi eru óperur Alfreds Bruno (Draumurinn eftir skáldsögu Zola, 90; The Siege of the Mill eftir Maupassant, 1891, og fleiri), sem eru ekki lausar við náttúruhyggju, og þá sérstaklega óperan Louise eftir Charpentier. (1893), þar sem að mörgu leyti vel heppnuð, þó nokkuð óljós, ófullnægjandi dramatísk lýsing á myndum af nútímalífi Parísar.

Uppsetning Pelléas et Mélisande eftir Claude Debussy árið 1902 opnar nýtt tímabil í tónlistar- og leikhúsmenningu Frakklands – impressionismi verður ríkjandi stílstefna.

M. Druskin

Samsetningar:

Óperur (alls 25) Að undanskildum óperunum „Manon“ og „Werther“ eru aðeins frumsýningardagsetningar gefnar upp í sviga. "Amma", texti eftir Adeny og Granvallet (1867) "Ful King's Cup", texti eftir Galle og Blo (1867) "Don Cesar de Bazan", texta eftir d'Ennery, Dumanois og Chantepie (1872) "King of Lahore" , texti eftir Galle (1877) Herodias, texti eftir Millet, Gremont og Zamadini (1881) Manon, texti eftir Méliac og Gilles (1881-1884) "Werther", texti eftir Blo, Mille og Gartmann (1886, frumsýnd - 1892) " The Sid”, texti eftir d'Ennery, Blo og Galle (1885) «Ésclarmonde», texti eftir Blo og Gremont (1889) The Magician, texti eftir Richpin (1891) “Thais”, texti eftir Galle (1894) “Portrait of Manon", texti eftir Boyer (1894) "Navarreca", texti eftir Clarty og Ken (1894) Sappho, texti eftir Kena og Berneda (1897) Cinderella, texti eftir Ken (1899) Griselda, texti eftir Sylvester og Moran (1901) " The Juggler of Our Lady", texti eftir Len (1902) Cherub, texti eftir Croisset og Ken (1905) Ariana, texti eftir Mendes (1906) Teresa, texti eftir Clarty (1907) "Vakh" (1910) Don Quixote, texti b. y Ken (1910) Róm, texti eftir Ken (1912) "Amadis" (eftir dauða) "Cleopatra", texti eftir Payen (eftir dauða)

Önnur tónlistar-leikhús- og kantötu-óratoríuverk Tónlist við harmleik Aeschylusar „Erinnia“ (1873) „Mary Magdalene“, helgileikur Halle (1873) Eve, helgileikur Halle (1875) Narcissus, forn idyll eftir Collin (1878) „The Immaculate Virgin“, hin helga goðsögn. af Grandmougins (1880) "Carillon", herma og dansgoðsögn (1892) "Promised Land", óratóría (1900) Drekafluga, ballett (1904) "Spánn", ballett (1908)

Sinfónísk verk Pompeii, svíta fyrir hljómsveit (1866) Fyrsta svíta fyrir hljómsveit (1867) „Hungarian Scenes“ (Önnur svíta fyrir hljómsveit) (1871) „Picturesque Scenes“ (1871) Þriðja svíta fyrir hljómsveit (1873) Forleikur „Phaedra“ (1874) „ Dramatísk atriði eftir Shakespeare" (1875) "Neapolitan Scenes" (1882) "Alsatian scenes" (1882) "Enchanting Scenes" (1883) o.fl.

Auk þess eru til margar mismunandi tónsmíðar fyrir píanó, um 200 rómansur („Intim Songs“, „Pastoral Poem“, „Poem of Winter“, „Poem of Love“, „Poem of Memories“ og fleiri), verk fyrir kammerhljóðfæraleik. sveitir.

Bókmenntaskrif "Mínar minningar" (1912)