Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

Ein samhljómur – heimur sem er að breytast … Rödd hverrar þjóðar ætti að hljóma í fjölröddu plánetunnar og það er mögulegt ef listamaður – rithöfundur, málari, tónskáld – tjáir hugsanir sínar og tilfinningar á móðurmáli sínu. Því þjóðlegri sem listamaður er, því einstaklingsbundnari er hann. A. Eshpay

Á margan hátt var ævisaga listamannsins sjálf ákveðin fyrir fram lotningarfullri snertingu við frummyndina í myndlist. Faðir tónskáldsins, Y. Eshpay, einn af stofnendum Mari atvinnutónlistar, innrætti syni sínum ást á þjóðlist með óeigingjörnum verkum sínum. Samkvæmt A. Eshpay, „Faðir var mikilvægur, djúpur, greindur og háttvís, mjög hógvær – sannur tónlistarmaður sem var fær um að afneita sjálfum sér. Hann var mikill þjóðsagnakunnáttumaður, virtist stíga til hliðar sem höfundur, enda skyldu sína að miðla til fólks fegurð og mikilfengleika þjóðlegrar hugsunar. Hann áttaði sig á því að það var ómögulegt að samræma Mari pentatonic skalann ... við hvaða annað samræmda og óháða, en framandi þjóðlistakerfi. Ég þekki alltaf frumritið úr verkum föður míns.“

A. Eshpay frá barnæsku tileinkaði sér þjóðsögur ólíkra þjóða á Volga svæðinu, allt ljóðrænt-epískt kerfi hins harka Úgríska svæðis. Stríðið varð sérstakt hörmulegt þema í lífi og starfi tónskáldsins - hann missti eldri bróður sinn, en minning hans er tileinkuð hinu fallega lag "Muscovites" ("Eyrning með Malaya Bronna"), vini. Í njósnasveitinni tók Eshpay þátt í frelsun Varsjár, í Berlínaraðgerðinni. Tónlistarkennsla sem var rofin af stríðinu hófst að nýju í Tónlistarskólanum í Moskvu, þar sem Eshpay lærði tónsmíðar hjá N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev og píanó hjá V. Sofronitsky. Hann lauk framhaldsnámi undir handleiðslu A. Khachaturian árið 1956.

Á þessum tíma voru Sinfónískir dansar á Mari-þemu (1951), ungverskar laglínur fyrir fiðlu og hljómsveit (1952), fyrsti píanókonsertinn (1954, 2. útgáfa – 1987), fyrsti fiðlukonsertinn (1956) til. Þessi verk færðu tónskáldinu víðtæka frægð, opnuðu meginþemu verka hans, brutu á skapandi hátt fyrirmæli kennara hans. Það er einkennandi að Khachaturian, sem innrætti honum, að sögn tónskáldsins, „smekk fyrir mælikvarða“, hafði að miklu leyti áhrif á hugmyndir Eshpai um tónleikastefnuna.

Sérstaklega leiðbeinandi er fyrsti fiðlukonsertinn með sínum skapmikla sprengikrafti, ferskleika, skjótum tjáningu tilfinninga, opinni skírskotun til þjóðlaga- og tegundaorðaforða. Eshpay er einnig náinn Khachaturian með ást sinni á stíl M. Ravel, sem var sérstaklega áberandi í píanóverki hans (Fyrsti píanókonsert, fyrsta píanósónatína – 1948). Samhljómur, ferskleiki, tilfinningasmitandi og litrík örlæti sameina líka þessa meistara.

Þema Myaskovsky er sérstakur þáttur í verkum Eshpay. Siðferðileg afstaða, sjálf ímynd framúrskarandi sovésks tónlistarmanns, sannur vörður og umbótarhefð, reyndust vera hugsjón fyrir fylgismann hans. Tónskáldið er trúr fyrirmælum Myaskovskys: „að vera einlægur, ákafur gagnvart list og leiða sína eigin línu. Minningarverk til minningar um Myaskovsky eru tengd nafni kennarans: Orgel Passacaglia (1950), Tilbrigði fyrir hljómsveit um stef úr sextándu sinfóníu Myaskovskys (1966), Annar fiðlukonsert (1977), Víólukonsert (1987-88), þar sem efni orgelsins Passacaglia var notað. Áhrif Myaskovskys á afstöðu Eshpays til þjóðsagna voru mjög mikilvæg: í kjölfar kennara síns kom tónskáldið að táknrænni túlkun á þjóðlögum, að sameiningu mismunandi hefðbundinna laga í menningu. Nafn Myaskovsky er einnig tengt við höfða til annarar mikilvægustu hefðar fyrir Eshpay, sem er endurtekin í mörgum tónverkum, byrjað á ballettinum "Circle" ("Mundu!" - 1979), - Znamenny söng. Í fyrsta lagi, í fjórðu (1980), fimmtu (1986), sjöttu („Liturgical“ sinfóníu (1988), kórkonsert (1988) persónugerir hann fyrst og fremst hina samhljóða, upplýstu, ethos meginregluna, upprunalega eiginleika þess. þjóðernisvitund, grundvallarreglur rússneskrar menningar. Sérstök þýðing öðlast annað mikilvægt þema í verkum Eshpays – ljóðrænt. Með rætur í hinu hefðbundna breytist það aldrei í einstaklingshyggju, ófrávíkjanlegir eiginleikar hennar eru lögð áhersla á aðhald og strangleika, hlutlægni í tjáningu og oft bein tengsl við borgaralega tónhljóma.

Lausnin á hernaðarþema, tegundir minnisvarða, skírskotun til að snúa atburðum – hvort sem það eru stríð, sögulegar eftirminnilegar dagsetningar – er sérkennileg og textarnir eru alltaf til staðar í skilningi þeirra. Slík verk eins og Fyrsta (1959), Seinni (1962) sinfónían, gegnsýrð af ljósi (grafrit fyrstu - orð V. Mayakovsky "Við verðum að slíta gleði frá komandi dögum", yfirskrift hinnar seinni - "lofgjörð" til ljóssins“), kantatan „Lenin með okkur“ (1968), sem er þekkt fyrir veggspjaldslegt grípandi, orðrænan birtu í tjáningu og um leið fínasta ljóðræna landslag, lagði grunninn að frumlegum stílsamruna af orðræn og ljóðræn, hlutlæg og persónuleg, mikilvæg fyrir helstu verk tónskáldsins. Eining "gráts og dýrðar, samúðar og lofs" (D. Likhachev), sem er svo mikilvæg fyrir forna rússneska menningu, er haldið áfram í mismunandi tegundum. Sérstaklega áberandi eru þriðja sinfónían (In Memory of My Father, 1964), annar fiðlu- og víólukonsertinn, eins konar stór hringrás – fjórða, fimmta og sjötta sinfónían, kórkonsertinn. Með árunum fær merking ljóðræns stefs táknrænan og heimspekilegan blæ, sífellt meiri hreinsun frá öllu ytra, huglægu-yfirborðslegu, minnisvarðinn er í líkingarformi. Það er þýðingarmikið að skipta ljóðrænu þema frá ævintýra-þjóðsögunni og rómantísk-hetjusögunni í ballettinum Angara (1975) yfir í almennt myndmál viðvörunarballettsins Circle (Remember!). Alhliða þýðing vígsluverka sem eru gegnsýrð af hörmulegri, stundum grátbroslegri merkingu, verður æ augljósari. Aukin skynjun á átakaeðli nútímans og næmni listrænna viðbragða við þessum eiginleikum eru í samræmi við ábyrgð tónskáldsins á arfleifð og menningu. Kjarni myndmálsins er „Söngvar fjallsins og Meadow Mari“ (1983). Þetta tónverk, ásamt Konsert fyrir óbó og hljómsveit (1982), hlaut Lenín-verðlaunin.

Hlutlæg-lýrísk inntónun og „kóral“ hljómar lita túlkun tónleikategundarinnar sem felur í sér einstaklingsbundið lögmál. Tjáið í ýmsum myndum - minnisvarða, hugleiðslu, í endursköpun þjóðsagna, í skírskotun til endurhugsaðrar fyrirmyndar af gömlum concerto grosso, er þetta þema stöðugt varið af tónskáldinu. Jafnframt, í tónleikagreininni, eins og öðrum tónverkum, þróar tónskáldið leikandi mótíf, hátíðleika, leikræna, léttleika lita og hugrakka hrynjandi orku. Þetta er sérstaklega áberandi í Konsertnum fyrir hljómsveit (1966), Annað píanó (1972), Óbó (1982) og Konsertinn fyrir saxófón (1985-86) má kalla „portrett af spuna“. „Ein sátt – breytilegur heimur“ – þessi orð úr ballettinum „Circle“ gætu þjónað sem yfirskrift á verk meistarans. Yfirfærsla á samræmdu, hátíðlega í átökum og flóknum heimi er sérstakur fyrir tónskáldið.

Samhliða holdgervingu þema hefðanna snýr Eshpay sér undantekningarlaust að hinu nýja og óþekkta. Lífræn samsetning hins hefðbundna og nýstárlega felst bæði í viðhorfum til tónsmíðaferlisins og í verkum tónskáldsins sjálfs. Breidd og frelsi til að skilja skapandi verkefni endurspeglast í sjálfri nálguninni á tegundarefni. Vitað er að djassstefið og orðaforði skipa sérstakan sess í verkum tónskáldsins. Djass fyrir hann er á einhvern hátt verndari tónlistarinnar sjálfrar, sem og þjóðsagna. Tónskáldið veitti fjöldasöngnum og vandamálum hans mikla athygli, léttri tónlist, kvikmyndalist, sem er mikilvæg hvað varðar dramatískan og tjáningarmöguleika, uppspretta sjálfstæðra hugmynda. Heimur tónlistar og lifandi veruleika birtist í lífrænu sambandi: samkvæmt tónskáldinu er „dásamlegur heimur tónlistar ekki lokaður, ekki einangraður, heldur er hann aðeins hluti af alheiminum, sem heitir líf.

M. Lobanova