Igor Fyodorovich Stravinsky |

Igor stravinsky

…ég fæddist á röngum tíma. Af skapgerð og tilhneigingu, eins og Bach, þó á öðrum mælikvarða, ætti ég að lifa í myrkur og skapa reglulega fyrir stofnaða þjónustu og Guð. Ég lifði af í heiminum sem ég fæddist inn í… Ég lifði af… þrátt fyrir útgefandahuck, tónlistarhátíðir, auglýsingar… I. Stravinsky

… Stravinsky er sannkallað rússneskt tónskáld … Rússneski andinn er óslítandi í hjarta þessa sannarlega mikla, margþætta hæfileika, fæddur úr rússneska landinu og tengdur því lífsnauðsynlega … D. Shostakovich

Skapandi líf I. Stravinsky er lifandi saga tónlistar 1959. aldar. Það, eins og í spegli, endurspeglar þróunarferli samtímalistar, rannsakandi að leita nýrra leiða. Stravinskíj ávann sér orðspor sem áræðinn rýrari hefðarinnar. Í tónlist hans myndast fjöldi stíla, sem eru stöðugt að skerast og stundum erfitt að flokka, sem tónskáldið fékk viðurnefnið „maður með þúsund andlit“ frá samtíðarmönnum sínum. Hann er eins og töframaðurinn úr ballettinum sínum „Petrushka“: hann hreyfir frjálslega tegund, form, stíl á skapandi sviði sínu, eins og hann lúti þeim reglum leiksins. Með því að halda því fram að „tónlist geti aðeins tjáð sig“ lagði Stravinsky engu að síður fram að lifa „con Tempo“ (þ.e. ásamt tímanum). Í „Dialogues“, sem kom út á árunum 63-1945, rifjar hann upp götuhljóðin í Sankti Pétursborg, Maslenitsa hátíðirnar á Marsvellinum, sem að hans sögn hjálpaði honum að sjá Petrushka sína. Og tónskáldið talaði um Sinfóníuna í þremur þáttum (XNUMX) sem verk sem tengist áþreifanlegum hughrifum stríðsins, með minningum um voðaverk Brúnskyrtanna í München, sem hann sjálfur varð næstum fórnarlambið.

Algildishyggja Stravinskys er sláandi. Hún birtist í víðtækri umfjöllun um fyrirbæri tónlistarmenningar heimsins, í fjölbreytilegri skapandi leit, í krafti flutnings – píanóleikara og hljómsveitarstjóra – sem stóð yfir í meira en 40 ár. Umfang persónulegra samskipta hans við framúrskarandi fólk er með eindæmum. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, listamenn „Heims listarinnar“, A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, frönsk tónskáld Six-hópsins – þessir eru nöfnin sum þeirra. Stravinskíj var alla ævi í miðju athygli almennings, á krossgötum mikilvægustu listrænna brautanna. Landafræði lífs hans nær yfir mörg lönd.

Stravinsky eyddi æsku sinni í Sankti Pétursborg, þar sem, að hans sögn, "var spennandi að búa." Foreldrar sóttust ekki eftir því að gefa honum starf tónlistarmanns, en allt ástandið var til þess fallið að þróa tónlistarþróun. Húsið hljómaði stöðugt tónlist (faðir tónskáldsins F. Stravinsky var frægur söngvari Mariinsky leikhússins), þar var stórt lista- og tónlistarsafn. Stravinsky var frá barnæsku heilluð af rússneskri tónlist. Sem tíu ára drengur var hann heppinn að sjá P. Tchaikovsky, sem hann dáði, og tileinkaði honum mörgum árum síðar óperuna Mavra (1922) og ballettinn The Fairy's Kiss (1928). Stravinsky kallaði M. Glinka „hetju æsku minnar“. Hann kunni mjög að meta M. Mussorgsky, taldi hann „sanngjarnasta“ og hélt því fram að í eigin skrifum væru áhrif frá „Boris Godunov“. Vinsamleg samskipti urðu við meðlimi Belyaevsky-hringsins, sérstaklega við Rimsky-Korsakov og Glazunov.

Bókmenntaáhugamál Stravinskys mynduðust snemma. Fyrsti raunverulegi atburðurinn fyrir hann var bók L. Tolstoy "Barnska, unglingsár, æska", A. Pushkin og F. Dostoevsky voru skurðgoð allt sitt líf.

Tónlistarkennsla hófst 9 ára. Það var píanónám. Stravinsky hóf hins vegar alvarlegt fagnám fyrst eftir 1902, þegar hann, sem nemandi við lagadeild St. Pétursborgarháskóla, hóf nám hjá Rimsky-Korsakov. Á sama tíma varð hann náinn við S. Diaghilev, listamenn "World of Art", sóttu "Evenings of Modern Music", tónleika með nýrri tónlist, skipulögð af A. Siloti. Allt þetta var hvati til hraðrar listþroska. Fyrstu tónsmíðatilraunir Stravinskys – Píanósónatan (1904), Faun and the Shepherdess söng- og sinfónísk svíta (1906), Sinfónían í Es-dúr (1907), Frábært Scherzo og Flugeldar fyrir hljómsveit (1908) einkennast af áhrifum. skólans Rimsky-Korsakov og frönsku impressjónistanna. En frá því að ballettarnir Eldfuglinn (1910), Petrushka (1911), The Rite of Spring (1913), sem Diaghilev pantaði fyrir rússnesku árstíðirnar, voru settir upp í París, hefur hins vegar átt sér stað gríðarlegt sköpunarflug í tegund sem Stravinsky í Hann var sérstaklega hrifinn af síðar vegna þess að í orðum hans er ballett „eina form leiklistar sem setur verkefni fegurðar og ekkert annað sem hornstein.

Þríleikur ballettanna opnar fyrsta - "rússneska" - sköpunartímabilið, nefnt svo ekki eftir búsetustaðnum (frá 1910 bjó Stravinsky erlendis í langan tíma og árið 1914 settist að í Sviss), en þökk sé sérkenni þess. tónlistarhugsun sem birtist á þessum tíma, djúpt í meginatriðum þjóðleg. Stravinsky sneri sér að rússneskum þjóðsögum, þar sem hin ýmsu lög voru brotin á mjög sérkennilegan hátt í tónlist hvers balletts. Eldfuglinn vekur hrifningu með hrífandi örlæti sínu í hljómsveitarlitum, skærum andstæðum ljóðrænna hringdanstexta og eldheitum dönsum. Í „Petrushka“, sem A. Benois kallaði „ballettmúl“, borgarlaglínur, vinsælar í upphafi aldarinnar, hljóð, lifnar hin hávaðalega og brosótta mynd af hátíðarhöldunum, sem andstæð er einmana mynd þjáninganna. Petrushka. Hin forna heiðni fórnarathöfn réð innihaldi „Heilagt vor“, sem fól í sér frumhvötina til endurnýjunar vorsins, hin voldugu öfl eyðileggingar og sköpunar. Tónskáldið, sem steypir sér í djúp þjóðsagnafornfræðinnar, endurnýjar svo róttækan tónmálið og ímyndirnar að ballettinn setti svip á samtíð sína sem sprengja. „Risaviti XX aldarinnar“ kallaði hann ítalska tónskáldið A. Casella.

Á þessum árum samdi Stravinsky mikið og vann oft nokkur verk sem voru gjörólík að eðli og stíl í einu. Þetta voru til dæmis rússnesku dansatriðin Brúðkaupið (1914-23), sem endurómaði á einhvern hátt Vorsiðinn, og hin stórkostlega ljóðræna ópera Næturgalinn (1914). Sagan um refinn, hanann, köttinn og sauðkindina, sem endurvekur hefðir töfraleikhússins (1917), er við hliðina á Sögu hermanns (1918), þar sem rússneskar melóur eru þegar farnar að hlutleysast og falla. inn á sviði hugsmíðahyggju og djassþátta.

Árið 1920 flutti Stravinsky til Frakklands og árið 1934 tók hann franskan ríkisborgararétt. Þetta var tímabil afar ríkulegs sköpunar- og afreksstarfs. Fyrir yngri kynslóð franskra tónskálda varð Stravinsky æðsta vald, „tónlistarmeistarinn“. Hins vegar misheppnaðist framboð hans til frönsku listaakademíunnar (1936), sívaxandi viðskiptatengsl við Bandaríkin, þar sem hann hélt tónleika tvisvar með góðum árangri og árið 1939 flutti fyrirlestranámskeið um fagurfræði við Harvard háskóla - allt þetta varð til þess að hann flutti í upphafi seinni heimsstyrjaldarinnar í Ameríku. Hann settist að í Hollywood (Kaliforníu) og árið 1945 þáði hann bandarískan ríkisborgararétt.

Upphaf „parísíska“ tímabilsins hjá Stravinsky bar saman við krappa beygju í átt að nýklassík, þó að heildarmynd verka hans hafi í heildina verið frekar fjölbreytt. Hann byrjaði á ballettinum Pulcinella (1920) við tónlist G. Pergolesi og skapaði heila röð verka í nýklassískum stíl: ballettana Apollo Musagete (1928), Playing Cards (1936), Orpheus (1947); óperuóratorían Oedipus Rex (1927); melódrama Persephone (1938); óperan The Rake's Progress (1951); Oktett fyrir blásara (1923), Sálmasinfónía (1930), Konsert fyrir fiðlu og hljómsveit (1931) o.fl. Nýklassík Stravinskys hefur alhliða karakter. Tónskáldið mótar ýmsa tónlistarstíla á tímabili JB Lully, JS Bach, KV Gluck, með það að markmiði að koma á „yfirráðum reglu yfir glundroða“. Þetta er einkennandi fyrir Stravinskíj, sem einkenndist alla tíð af því að leitast við stranga, skynsamlega aga sköpunargáfu, sem leyfði ekki tilfinningalegt yfirfall. Já, og sjálft ferlið við að semja tónlist Stravinsky fór ekki fram á duttlungi, heldur "daglega, reglulega, eins og manneskja með opinberan tíma."

Það voru þessir eiginleikar sem réðu sérkenni næsta stigs skapandi þróunar. Á 50-60. tónskáldið sökkvi sér inn í tónlist fyrri tíma Bachs, snýr sér að biblíulegum, sértrúarsöfnuðum og frá 1953 byrjar að beita stíft uppbyggjandi dódekafónískri tónsmíðatækni. Sacred Hymn in Honor of the Postle Mark (1955), ballett Agon (1957), 400 ára afmælisminnisvarði Gesualdo di Venosa fyrir hljómsveit (1960), kantötu-alegory The Flood í anda enskra leyndardóma 1962. aldar. (1966), Requiem ("Chants for the Dead", XNUMX) – þetta eru mikilvægustu verk þessa tíma.

Stíll Stravinskys í þeim verður æ áleitnari, uppbyggilega hlutlaus, þótt tónskáldið sjálfur tali um varðveislu þjóðernisuppruna í verkum sínum: „Ég hef talað rússnesku alla mína ævi, ég hef rússneskan stíl. Kannski sést þetta ekki strax í tónlistinni minni, en það er innbyggt í það, það er í huldu eðli sínu. Eitt af síðustu tónsmíðum Stravinskys var kanóna um þema rússneska lagsins „Not the Pine at the Gates Swayed“, sem var notað fyrr í lokaatriði ballettsins „Firebird“.

Tónskáldið lauk þannig lífi sínu og sköpunarvegi og sneri aftur til upprunans, til tónlistar sem var persónugervingur hinnar fjarlægu rússnesku fortíðar, sem þráin eftir var alltaf til staðar einhvers staðar í hjartans dýpi, sló stundum í gegn í yfirlýsingum og ágerðist sérstaklega eftir Heimsókn Stravinskíjs til Sovétríkjanna haustið 1962. Það var þá sem hann sagði þessi merku orð: „Maður á einn fæðingarstað, eitt heimaland – og fæðingarstaðurinn er aðalþátturinn í lífi hans.“

O. Averyanova

• Listi yfir helstu verk Stravinsky →