Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Það eru borgir með sérstaka verðleika á undan tónlistarheiminum, til dæmis Odessa. Hversu mörg snilldarnöfn gáfu tónleikasviðinu á fyrirstríðsárunum. Tbilisi, fæðingarstaður Rudolfs Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze og fjölda annarra þekktra tónlistarmanna, hefur eitthvað til að vera stolt af. Lev Nikolaevich Vlasenko hóf einnig listræna leið sína í höfuðborg Georgíu - borg langra og ríkra listahefða.

Eins og oft vill verða hjá verðandi tónlistarmönnum var fyrsti kennari hans móðir hans, sem eitt sinn kenndi sjálf við píanódeild tónlistarháskólans í Tbilisi. Eftir nokkurn tíma fer Vlasenko til fræga georgíska kennarans Anastasia Davidovna Virsaladze, útskrifast, stundar nám í bekknum hennar, tíu ára tónlistarskóla, þá fyrsta árið í tónlistarskólanum. Og á leið margra hæfileikamanna flytur hann til Moskvu. Síðan 1948 hefur hann verið meðal nemenda Yakov Vladimirovich Flier.

Þessi ár eru ekki auðveld fyrir hann. Hann er nemandi við tvær æðri menntastofnanir í einu: Auk tónlistarskólans stundar Vlasenko nám (og lýkur námi sínu með góðum árangri á sínum tíma) við Institute of erlend tungumál; Píanóleikarinn er reiprennandi í ensku, frönsku, ítölsku. Og samt hefur ungi maðurinn næga orku og styrk til alls. Í tónlistarskólanum kemur hann í auknum mæli fram í nemendaveislum, nafn hans verður þekkt í tónlistarhópum. Meira er þó að vænta af honum. Reyndar, árið 1956 vann Vlasenko fyrstu verðlaun í Liszt-keppninni í Búdapest.

Tveimur árum síðar tekur hann aftur þátt í keppni tónlistarmanna. Að þessu sinni, á heimili sínu í Moskvu, í fyrstu alþjóðlegu Tchaikovsky-keppninni, hlaut píanóleikarinn önnur verðlaun og skilur eftir sig aðeins Van Cliburn, sem þá var í blóma sinna gífurlegu hæfileika.

Vlasenko segir: „Skömmu eftir að ég útskrifaðist úr tónlistarskólanum var ég kallaður í raðir sovéska hersins. Í um það bil ár snerti ég ekki hljóðfærið – ég bjó við allt aðrar hugsanir, gjörðir, áhyggjur. Og auðvitað frekar nostalgískt fyrir tónlist. Þegar ég var óhreyfður fór ég að vinna með þrefaldri orku. Svo virðist sem í mínum leik var þá einhver tilfinningalegur ferskleiki, ónotaður listrænn styrkur, þorsti í sviðssköpun. Það hjálpar alltaf á sviðinu: það hjálpaði mér líka á þeim tíma.

Píanóleikarinn segir að hann hafi verið spurður spurningarinnar: í hvoru prófanna – í Búdapest eða Moskvu – átti hann erfiðara með? „Auðvitað, í Moskvu,“ svaraði hann í slíkum tilfellum, „Tchaikovsky-keppnin, þar sem ég kom fram, var haldin í fyrsta skipti í okkar landi. Í fyrsta skipti — það segir allt sem segja þarf. Hann vakti mikinn áhuga - hann tók saman helstu tónlistarmenn, bæði sovéska og erlenda, í dómnefnd, vakti sem mestan áhorfendahóp, komst í miðpunkt útvarps, sjónvarps og fjölmiðla. Það var ákaflega erfitt og ábyrgt að spila á þessari keppni – hver innkoma á píanó var mikils taugaspennu virði …“

Sigrar í virtum tónlistarkeppnum – og „gullið“ sem Vlasenko vann í Búdapest og „silfur“ hans sem vann í Moskvu voru álitnir stórir sigrar – opnuðu dyr að stóra sviðinu fyrir honum. Hann gerist atvinnutónleikamaður. Sýningar hans bæði heima og í öðrum löndum laða að fjölda áheyrenda. Honum er hins vegar ekki bara gefið merki um athygli sem tónlistarmaður, eigandi dýrmætra verðlaunahafa. Viðhorf til hans frá upphafi ræðst öðruvísi.

Á sviðinu, eins og í lífinu, eru náttúrur sem njóta alhliða samúðar – beinar, opnar, einlægar. Vlasenko sem listamaður meðal þeirra. Þú trúir honum alltaf: ef hann hefur brennandi áhuga á að túlka verk, þá er hann svo sannarlega ástríðufullur, spenntur – svo spenntur; ef ekki, getur hann ekki falið það. Hin svokallaða list gjörninga er ekki hans ríki. Hann bregst ekki og fer ekki í sundur; Einkunnarorð hans gætu verið: "Ég segi það sem ég hugsa, ég tjái hvernig mér líður." Hemingway hefur dásamleg orð sem hann einkennir eina af hetjum sínum með: „Hann var sannarlega, mannlega fallegur að innan: brosið hans kom frá hjartanu eða frá því sem kallað er sál manneskju, og kom síðan glaðlega og opinskátt til yfirborð, það er, lýsti upp andlitið“ (Hemingway E. Beyond the River, in the shade of trees. – M., 1961. S. 47.). Þegar þú hlustar á Vlasenko á bestu augnablikum hans, gerist það að þú manst þessi orð.

Og eitt enn vekur hrifningu almennings þegar hann hittir píanóleikara - sviðið hans félagslyndi. Eru þeir fáir sem loka sig á sviðinu, draga sig inn í sjálfa sig af spenningi? Aðrir eru kaldlyndir, aðhaldssamir að eðlisfari, þetta gerir vart við sig í list þeirra: þeir eru, samkvæmt algengri tjáningu, ekki mjög „félagslegir“, halda hlustandanum eins og í fjarlægð frá sjálfum sér. Með Vlasenko, vegna sérkenni hæfileika hans (hvort sem hann er listrænn eða mannlegur), er auðvelt, eins og út af fyrir sig, að ná sambandi við áhorfendur. Fólk sem hlustar á hann í fyrsta skipti lætur stundum í ljós undrun - tilfinningin er sú að þeir hafi lengi og vel þekkt hann sem listamann.

Þeir sem þekktu náið til kennara Vlasenko, prófessor Yakov Vladimirovich Flier, halda því fram að þeir hafi átt margt sameiginlegt - bjarta poppskap, rausnarskap tilfinningaþrungna, djarft og yfirgripsmikið leiklag. Það var í raun. Það er engin tilviljun að þegar Vlasenko kom til Moskvu varð hann nemandi Flier og einn af nánustu nemendum; síðar óx samband þeirra í vináttu. Hins vegar var frændsemi skapandi eðlis tónlistarmannanna tveggja augljós jafnvel á efnisskrá þeirra.

Gamlir tónleikasalar muna vel eftir því hvernig Flier ljómaði eitt sinn í dagskrám Liszts; það er mynstur í því að Vlasenko þreytti einnig frumraun sína með verkum Liszt (samkeppni 1956 í Búdapest).

„Ég elska þennan höfund,“ segir Lev Nikolaevich, „stolta listræna stellingu hans, göfuga patos, stórbrotna rómantík, ræðustíl tjáningar. Það gerðist svo að í tónlist Liszt tókst mér alltaf auðveldlega að finna sjálfan mig … ég man að frá unga aldri lék ég hana af sérstakri ánægju.

Vlasenko, þó ekki aðeins byrjaði frá Liszt leiðinni á stóra tónleikasviðið. Og í dag, mörgum árum síðar, eru verk þessa tónskálds í miðpunkti dagskrár hans – allt frá etýðum, rapsódíum, umritunum, verkum úr hringrásinni „Flakkarár“ til sónöta og annarra stórra verka. Svo, athyglisverður atburður í fílharmóníulífi Moskvu á tímabilinu 1986/1987 var flutningur Vlasenko á báðum píanókonsertum, „Dans dauðans“ og „Fantasíu um ungversk þemu“ eftir Liszt; með hljómsveit undir stjórn M. Pletnev. (Þetta kvöld var tileinkað 175 ára fæðingarafmæli tónskáldsins.) Árangurinn hjá almenningi var virkilega mikill. Og engin furða. Glitrandi píanóbravúr, almenn hrifning tóna, hávært „tal“ á sviðinu, freska, kraftmikill leikstíll – allt er þetta hinn sanni þáttur Vlasenko. Hér birtist píanóleikarinn frá hagstæðustu hliðinni fyrir sjálfan sig.

Það er annar höfundur sem er ekki síður náinn Vlasenko, rétt eins og sami höfundur var náinn kennara sínum, Rachmaninov. Á veggspjöldum Vlasenko má sjá píanókonserta, prelúdíur og önnur Rachmaninoff verk. Þegar píanóleikari er „á takti“ er hann virkilega góður á þessari efnisskrá: hann flæðir yfir áhorfendur með miklu tilfinningaflóði, „yfir“, eins og einn gagnrýnandinn orðaði það, með beittum og sterkum ástríðum. Á meistaralegan hátt Vlasenko og þykka „selló“ tóna sem gegna svo stóru hlutverki í píanótónlist Rachmaninovs. Hann hefur þungar og mjúkar hendur: hljóðmálun með „olíu“ er nær eðli hans en þurrt hljóð „grafík“; – Segja má, eftir samlíkingu sem byrjað er á málverkinu, að breiður pensill sé honum hentugri en skarprýndur blýantur. En líklega er aðalatriðið í Vlasenko, þar sem við tölum um túlkun hans á leikritum Rachmaninovs, að hann fær um að faðma tónlistarformið í heild sinni. Knúsaðu frjálslega og eðlilega, án þess að vera annars hugar, ef til vill, af sumum smáhlutum; þetta er nákvæmlega hvernig, við the vegur, Rachmaninov og Flier stóðu sig.

Loks er það tónskáldið sem, að sögn Vlasenko, hefur komist næstum því næst honum í gegnum árin. Þetta er Beethoven. Reyndar voru sónötur Beethovens, fyrst og fremst Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, tilbrigðislotur, Fantasia (Op. 77), grunnurinn að efnisskrá Vlasenko á áttunda og níunda áratugnum. Áhugavert smáatriði: að vísa ekki til sjálfs síns sem sérfræðings í löngum samtölum um tónlist - fyrir þá sem kunna og elska að túlka hana í orðum, talaði Vlasenko samt sem áður nokkrum sinnum með sögur um Beethoven í Central Television.

„Með aldrinum finnst mér þetta tónskáld meira og meira aðlaðandi fyrir mig,“ segir píanóleikarinn. „Í langan tíma dreymdi mig einn draum - að spila hring með fimm píanókonsertum hans. Lev Nikolaevich uppfyllti þennan draum, og frábærlega, á einu af síðustu tímabilum.

Auðvitað, Vlasenko, eins og faglegur gestaleikari ætti, snýr sér að fjölbreyttri tónlist. Sviðsvopnabúr hans inniheldur Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich... Hins vegar er árangur hans á þessari efnisskrá, þar sem eitthvað er nær honum og eitthvað lengra, ekki það sama, ekki alltaf stöðugt og jafnvel. Hins vegar ætti maður ekki að vera hissa: Vlasenko er með nokkuð ákveðinn leikstíl, sem byggir á mikilli og yfirgripsmikilli virtúósýki; hann leikur sannarlega eins og maður – sterkur, skýr og einfaldur. Einhvers staðar sannfærir það, og algjörlega, einhvers staðar ekki alveg. Það er engin tilviljun að ef þú skoðar dagskrá Vlasenko betur muntu taka eftir því að hann nálgast Chopin af varkárni ...

Talandi um þо flutt af listamanninum er ekki hægt annað en að taka mark á þeim farsælustu í verkefnum hans síðustu ára. Hér er H-moll sónata Liszts og etúdur-málverk Rachmaninovs, Þriðja sónata Skrjabíns og Sónata Ginastera, Myndir Debussys og gleðieyjan hans, Rondó í Es-dúr Hummels og Cordova eftir Albeniz... Síðan 1988 hefur Vlasenko verið að sjá veggspjöldin eftir Sona. BA Arapov, sem hann lærði nýlega, auk Bagatelles, op. 126 Beethoven, Prelúdíur, op. 11 og 12 Skríabín (einnig ný verk). Í túlkun þessara og annarra verka eru ef til vill sérstaklega sýnileg einkenni nútímastíls Vlasenko: Þroski og dýpt listrænnar hugsunar ásamt lifandi og sterkri tónlistartilfinningu sem hefur ekki dofnað með tímanum.

Síðan 1952 hefur Lev Nikolaevich kennt. Fyrst í Moskvukóraskólanum, síðar í Gnessinskólanum. Síðan 1957 hefur hann verið meðal kennara Tónlistarskólans í Moskvu; í bekknum hans fengu N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko og fleiri píanóleikarar miða á sviðslífið. M. Pletnev lærði hjá Vlasenko í nokkur ár - á síðasta ári í tónlistarskólanum og sem aðstoðarnemi. Kannski voru þetta björtustu og mest spennandi síðurnar í kennslufræðilegri ævisögu Lev Nikolaevich ...

Kennsla felur í sér að svara stöðugt sumum spurningum, leysa fjölmörg og óvænt vandamál sem lífið, uppeldisstarfið og ungmenni stúdenta setja fram. Hvað ber til dæmis að hafa í huga við val á fræðslu- og uppeldisfræðilegri efnisskrá? Hvernig byggir þú upp tengsl við nemendur? hvernig á að haga kennslunni þannig að hún skili sem mestum árangri? En kannski vaknar mestur kvíði fyrir hvaða kennara sem er í tónlistarskólanum í tengslum við opinberar sýningar nemenda sinna. Og ungu tónlistarmennirnir sjálfir leita þráfaldlega eftir svari frá prófessorunum: hvað þarf til að ná árangri á sviði? er hægt að undirbúa, "útvega" það einhvern veginn? Á sama tíma eru augljós sannindi – eins og sú staðreynd að, segja þeir, að forritið verði að vera nægilega lært, tæknilega „gert“ og að „allt verður að ganga upp og koma út“ – fáir geta verið ánægðir. Vlasenko veit að í slíkum tilvikum getur maður sagt eitthvað virkilega gagnlegt og nauðsynlegt aðeins á grundvelli eigin reynslu. Aðeins ef þú byrjar á reynslu og reynslu af honum. Reyndar er þetta einmitt það sem þeir sem hann kennir búast við af honum. „List er upplifun persónulegs lífs, sögð í myndum, í skynjun,“ skrifaði AN Tolstoy, „ persónuleg reynsla sem segist vera alhæfing» (Tolstykh VI List og siðferði. – M., 1973. S. 265, 266.). Listin að kenna, enn frekar. Þess vegna vísar Lev Nikolaevich fúslega til eigin frammistöðu – bæði í kennslustofunni, meðal nemenda og í opinberum samtölum og viðtölum:

„Sumir ófyrirsjáanlegir, óútskýranlegir hlutir gerast stöðugt á sviðinu. Ég get til dæmis mætt vel úthvíld í tónleikasalinn, undirbúinn fyrir flutninginn, öruggur með sjálfan mig – og klaufabendið mun líða yfir án mikillar ákefðar. Og öfugt. Ég get farið á sviðið í því ástandi að það virðist sem ég muni ekki geta dregið eina einustu tón úr hljóðfærinu – og leikurinn mun skyndilega „fara“. Og allt verður auðvelt, notalegt ... Hvað er málið hér? Veit ekki. Og það veit líklega enginn.

Þó að það sé eitthvað sem þarf að sjá fyrir til að auðvelda fyrstu mínútur dvalarinnar á sviðinu – og þær eru erfiðastar, eirðarlausar, óáreiðanlegar … – þá held ég að það sé samt hægt. Það sem skiptir máli er til dæmis sjálf smíði forritsins, uppsetning þess. Sérhver flytjandi veit hversu mikilvægt þetta er – og einmitt í tengslum við vellíðan poppsins. Í grundvallaratriðum hef ég tilhneigingu til að hefja konsert með verki þar sem ég er eins rólegur og öruggur og hægt er. Þegar ég spila reyni ég að hlusta eins vel og hægt er á hljóminn í píanóinu; laga sig að hljóðvist rýmisins. Í stuttu máli, ég leitast við að komast að fullu inn, sökkva mér niður í flutningsferlið, fá áhuga á því sem ég geri. Þetta er það mikilvægasta - að vekja áhuga, láta hrífast af, einbeita sér að leiknum. Svo fer spennan að minnka smám saman. Eða kannski hættir þú bara að taka eftir því. Héðan er það nú þegar skref til þess skapandi ástands sem krafist er.

Vlasenko leggur mikla áherslu á allt sem á einn eða annan hátt á undan opinberri ræðu. „Ég man að ég var einu sinni að tala um þetta efni við hina frábæru ungverska píanóleikara Annie Fischer. Hún hefur sérstaka rútínu á tónleikadegi. Hún borðar nánast ekkert. Eitt soðið egg án salts, og það er það. Þetta hjálpar henni að finna hið nauðsynlega sál-lífeðlisfræðilega ástand á sviðinu – taugaspennt, glaðlega spennt, kannski svolítið upphafið. Þessi sérstaka fíngerð og skerpa tilfinninga kemur fram, sem er algjörlega nauðsynlegt fyrir tónleikaleikara.

Allt þetta, við the vegur, er auðvelt að útskýra. Ef einstaklingur er saddur, hefur það yfirleitt tilhneigingu til að falla í sjálfsagt afslappað ástand, er það ekki? Í sjálfu sér getur það verið bæði notalegt og „þægilegt“, en það hentar ekki mjög vel til að koma fram fyrir framan áhorfendur. Því aðeins sá sem er rafmögnuð innbyrðis, sem hefur alla andlega strengi sína titra spennta, getur kallað fram viðbrögð frá áhorfendum, ýtt þeim til samkenndar ...

Þess vegna gerist stundum það sama, eins og ég hef þegar nefnt hér að ofan. Svo virðist sem allt sé til þess fallið að árangur náist: listamanninum líður vel, hann er innra með sér rólegur, yfirvegaður, næstum öruggur í eigin getu. Og tónleikarnir eru litlausir. Það er enginn tilfinningastraumur. Og viðbrögð hlustenda, auðvitað líka...

Í stuttu máli, það er nauðsynlegt að kemba, hugsa um daglega rútínu í aðdraganda frammistöðunnar - sérstaklega mataræðið - það er nauðsynlegt.

En þetta er auðvitað bara ein hlið málsins. Frekar utanaðkomandi. Í stórum dráttum ætti allt líf listamanns – helst – að vera þannig að hann sé alltaf, hvenær sem er, reiðubúinn að bregðast með sálinni við hinu háleita, andlega, skáldlega fallega. Líklega er óþarfi að sanna að einstaklingur sem hefur áhuga á myndlist, sem hefur áhuga á bókmenntum, ljóðum, málverkum, leikhúsi, sé mun hrifnari af háleitum tilfinningum en meðalmanneskja, sem allir hafa áhuga á sviðinu. hins venjulega, efnislega, hversdagslega.

Ungir listamenn heyra oft fyrir sýningar sínar: „Ekki hugsa um áhorfendur! Það truflar! Hugsaðu á sviðinu aðeins um það sem þú ert að gera sjálfur…“. Vlasenko segir um þetta: "Það er auðvelt að ráðleggja ...". Hann er vel meðvitaður um flókið, tvíræðni, tvískiptni þessarar stöðu:

„Er áhorfendur fyrir mig persónulega á meðan á gjörningi stendur? Tek ég eftir henni? Já og nei. Annars vegar þegar maður fer algjörlega inn í flutningsferlið er eins og maður hugsi ekki um áhorfendur. Þú gleymir algjörlega öllu nema því sem þú gerir við lyklaborðið. Og samt... Sérhver tónleikatónlistarmaður hefur ákveðið sjötta skilningarvit – „tilfinning fyrir áhorfendum“, myndi ég segja. Og þess vegna finnur þú stöðugt fyrir viðbrögðum þeirra sem eru í salnum, viðhorf fólks til þín og leiks þíns.

Veistu hvað er mikilvægast fyrir mig á tónleikum? Og það afhjúpandi? Þögn. Því allt er hægt að skipuleggja – bæði auglýsingar og umráð í húsnæðinu, og klapp, blóm, hamingjuóskir, og svo framvegis og svo framvegis, allt nema þögn. Ef salurinn fraus, hélt niðri í sér andanum þýðir það að eitthvað sé í raun að gerast á sviðinu – eitthvað merkilegt, spennandi …

Þegar ég finn á meðan á leiknum stendur að ég hafi fangað athygli áhorfenda gefur það mér mikinn kraft. Virkar sem eins konar dóp. Slíkar stundir eru mikil hamingja fyrir flytjandann, fullkominn draumur hans. Hins vegar, eins og öll mikil gleði, gerist þetta sjaldan.

Það kemur fyrir að Lev Nikolayevich er spurður: trúir hann á sviðsinnblástur - hann, atvinnulistamaður, fyrir hvern að koma fram fyrir framan almenning er í rauninni starf sem hefur verið unnið reglulega, í stórum stíl, í mörg ár ... „Af auðvitað orðið „innblástur“ sjálft » algerlega slitið, stimplað, slitið af tíðri notkun. Með öllu þessu, trúðu mér, er hver listamaður tilbúinn til að biðja um innblástur. Tilfinningin hér er einstök: eins og þú sért höfundur tónlistar sem flutt er; eins og allt í henni hafi verið búið til af þér sjálfur. Og hversu margir nýir, óvæntir, sannarlega vel heppnaðir hlutir fæðast á slíkum augnablikum á sviðinu! Og bókstaflega í öllu - í litun hljóðs, orðasamböndum, í rytmískum blæbrigðum osfrv.

Ég segi þetta: það er alveg hægt að halda góða, faglega trausta tónleika jafnvel án innblásturs. Það er einhver fjöldi slíkra mála. En ef innblástur kemur til listamannsins geta tónleikarnir orðið ógleymanlegir…“

Eins og þú veist eru engar áreiðanlegar leiðir til að vekja innblástur á sviðinu. En það er hægt að skapa aðstæður sem í öllum tilvikum væru honum hagstæðar, myndu undirbúa viðeigandi jarðveg, telur Lev Nikolayevich.

„Í fyrsta lagi er einn sálfræðilegur blær mikilvægur hér. Þú þarft að vita og trúa: það sem þú getur gert á sviðinu mun enginn annar gera. Látum það ekki vera alls staðar, heldur bara á ákveðinni efnisskrá, í verkum eins eða tveggja eða þriggja höfunda – það skiptir ekki máli, það er ekki málið. Aðalatriðið, ég endurtek, er tilfinningin sjálf: hvernig þú spilar mun hinn ekki spila. Hann, þessi ímyndaði „annar“, kann að hafa sterkari tækni, ríkari efnisskrá, víðtækari reynslu – hvað sem er. En hann mun hins vegar ekki syngja setninguna eins og þú gerir, hann mun ekki finna svona áhugaverðan og fíngerðan hljóðblæ ...

Tilfinningin sem ég er að tala um núna hlýtur að vera kunnugleg fyrir tónleikatónlistarmann. Það hvetur, lyftir upp, hjálpar á erfiðum augnablikum á sviðinu.

Ég hugsa oft um kennarann ​​minn Yakov Vladimirovich Flier. Hann reyndi alltaf að hressa nemendurna – lét þá trúa á sjálfa sig. Á augnablikum efasemda, þegar ekki allt gekk upp hjá okkur, ræktaði hann einhvern veginn gott anda, bjartsýni og skapandi skap. Og þetta skilaði okkur, nemendum í bekknum hans, ótvíræðum ávinningi.

Ég held að nánast hver einasti listamaður sem kemur fram á stóru tónleikasviði sé sannfærður um það í sálardjúpinu að hann spili aðeins betur en aðrir. Eða, í öllum tilvikum, kannski er hann fær um að spila betur … Og það er engin þörf á að kenna neinum um þetta – það er ástæða fyrir þessari sjálfsaðlögun.

… Árið 1988 fór fram stór alþjóðleg tónlistarhátíð í Santander (Spáni). Það vakti sérstaka athygli almennings – meðal þátttakenda voru I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy og aðrir áberandi listamenn í Evrópu og erlendis. Tónleikar Lev Nikolaevich Vlasenko voru haldnir með sönnum árangri innan ramma þessarar tónlistarhátíðar. Gagnrýnendur töluðu með aðdáunarverðum hætti um hæfileika hans, færni, ánægjulega hæfileika hans til að „slæpast og töfra ...“ Sýningar á Spáni, eins og aðrar tónleikaferðir Vlasenko á seinni hluta níunda áratugarins, staðfestu á sannfærandi hátt að áhuginn á list hans hafði ekki dofnað. Hann er enn áberandi í nútíma tónleikalífi, sovésku sem erlendu. En að halda þessum stað er miklu erfiðara en að vinna hann.

G. Tsypin, 1990