Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

Og ég átti heimaland; Hann er dásamlegur! A. Pleshcheev (úr G. Heine)

Rachmaninov var búinn til úr stáli og gulli; Stál í höndum, gull í hjarta. I. Hoffman

„Ég er rússneskt tónskáld og heimaland mitt hefur sett mark sitt á persónu mína og skoðanir. Þessi orð eiga S. Rachmaninov, hið mikla tónskáld, frábæra píanóleikara og hljómsveitarstjóra. Allir mikilvægustu atburðir rússneska félags- og listalífsins endurspegluðust í skapandi lífi hans og skildu eftir sig óafmáanlegt merki. Mótun og uppgangur verka Rachmaninovs á sér stað á árunum 1890-1900, þegar flóknustu ferlar áttu sér stað í rússneskri menningu, andlegur púls sló með hita og kvíða. Hin ákaflega ljóðræna tilfinningu tímans sem fólst í Rachmaninov var undantekningarlaust tengd ímynd ástkæra móðurlands hans, óendanleika víðáttu þess, krafti og ofbeldisfullu atgervi frumaflanna, mildri viðkvæmni blómstrandi vornáttúru.

Hæfileikar Rachmaninovs komu snemma og skært fram, þótt fram að tólf ára aldri hafi hann ekki sýnt mikinn eldmóð fyrir skipulegri tónlistarkennslu. Hann byrjaði að læra á píanó 4 ára gamall, 1882 fékk hann inngöngu í tónlistarháskólann í Sankti Pétursborg, þar sem hann, eftir eigin geðþótta, drullaði sér til muna og 1885 var hann fluttur yfir í tónlistarháskólann í Moskvu. Hér lærði Rachmaninoff á píanó hjá N. Zverev, þá A. Siloti; í bóklegum greinum og tónsmíðum – með S. Taneyev og A. Arensky. Þar sem hann bjó á gistiheimili með Zverev (1885-89) gekk hann í gegnum harðan, en mjög sanngjarnan vinnuaga, sem breytti honum úr örvæntingarfullum latum og óþekkum einstaklingi í einstaklega safnaðan og viljasterkan mann. "Það besta sem er í mér, ég skulda honum," - svo sagði Rachmaninov síðar um Zverev. Í tónlistarskólanum var Rachmaninoff undir sterkum áhrifum frá persónuleika P. Tchaikovsky, sem aftur á móti fylgdi þróun uppáhalds Seryozha hans og, eftir að hann útskrifaðist úr tónlistarskólanum, hjálpaði hann við að setja upp óperuna Aleko í Bolshoi-leikhúsinu, vitandi af honum. eigin sorgleg reynsla hversu erfitt það er fyrir nýliða tónlistarmann að leggja sína leið.

Rachmaninov útskrifaðist frá Tónlistarskólanum í píanóleik (1891) og tónsmíðum (1892) með stórgullmerki. Á þessum tíma var hann þegar höfundur nokkurra tónverka, þar á meðal hinnar frægu Prelúdíu í c-moll, rómantíkinni "Í þögn leynilegrar nætur", fyrsta píanókonsertinn, óperuna "Aleko", skrifuð sem útskriftarverk. á aðeins 17 dögum! Fantasíuverkin sem fylgdu, op. 3 (1892), Glæsilegt tríó „In Memory of a Great Artist“ (1893), Svíta fyrir tvö píanó (1893), Moments of Music op. 16 (1896), rómantík, sinfónísk verk – „Kletturinn“ (1893), Capriccio um sígaunaþemu (1894) – staðfestu álit Rachmaninovs sem sterks, djúps, frumlegs hæfileika. Myndirnar og stemmningarnar sem einkenna Rachmaninoff birtast í þessum verkum á víðu svið – allt frá hörmulegum sorg „Tónlistarstund“ í h-moll til sálmafræðinnar í rómantíkinni „Spring Waters“, frá harðri sjálfsviljaþrýstingi. „Musical Moment“ í e-moll í fínustu vatnslitamynd rómantíkurinnar „Island“.

Lífið á þessum árum var erfitt. Rachmaninoff var afgerandi og kraftmikill í frammistöðu og sköpunargáfu og var í eðli sínu viðkvæm manneskja, sem oft upplifði sjálfstraust. Afskipti af efnislegum erfiðleikum, veraldlegri óreglu, ráfandi í undarlegum hornum. Og þó hann hafi verið studdur af fólki sem var honum nákomið, fyrst og fremst Satin-fjölskyldan, fannst honum hann vera einmana. Hið mikla áfall af völdum bilunar fyrstu sinfóníu hans, sem flutt var í Sankti Pétursborg í mars 1897, leiddi til skapandi kreppu. Í nokkur ár samdi Rachmaninoff ekki neitt, en flutningur hans sem píanóleikari efldist og hann hóf frumraun sína sem hljómsveitarstjóri við Einkaóperuna í Moskvu (1897). Á þessum árum kynntist hann L. Tolstoy, A. Chekhov, listamönnum Listaleikhússins, hóf vináttu við Fjodor Chaliapin, sem Rachmaninov taldi eina af „kröftugustu, djúpustu og fíngerðustu listupplifunum“. Árið 1899 kom Rachmaninoff fram erlendis í fyrsta skipti (í London) og árið 1900 heimsótti hann Ítalíu þar sem skissur af framtíðaróperunni Francesca da Rimini birtust. Skemmtilegur viðburður var uppsetning á óperunni Aleko í Sankti Pétursborg í tilefni af 100 ára afmæli A. Pushkin með Chaliapin sem Aleko. Þannig var smám saman verið að undirbúa innri þáttaskil og í upphafi 1900. það var aftur snúið til sköpunar. Ný öld hófst með öðrum píanókonsertinum, sem hljómaði eins og mikil viðvörun. Samtímamenn heyrðu í honum rödd tímans með spennu, sprengikrafti og tilfinningu fyrir yfirvofandi breytingum. Nú er tegund tónleikanna að verða fremst í flokki, það er í henni sem meginhugmyndirnar eru útfærðar af mestu heilleika og innifalið. Nýtt stig hefst í lífi Rachmaninov.

Almenn viðurkenning í Rússlandi og erlendis hlýtur píanóleikara og hljómsveitarstjórastarf hans. 2 ár (1904-06) Rachmaninov starfaði sem hljómsveitarstjóri í Bolshoi-leikhúsinu og skildi eftir í sögu þess minningu um frábæra uppsetningu rússneskra ópera. Árið 1907 tók hann þátt í rússneskum sögutónleikum á vegum S. Diaghilev í París, árið 1909 kom hann fram í fyrsta sinn í Ameríku, þar sem hann lék þriðja píanókonsertinn sinn undir stjórn G. Mahler. Mikil tónleikastarfsemi í borgum Rússlands og erlendis var sameinuð ekki síður mikilli sköpunargáfu, og í tónlist þessa áratugar (í kantötunni „Vor“ – 1902, í forleik op. 23, í lokaþáttum annarrar sinfóníu og Þriðja konsertinn) er mikill eldmóður og eldmóður. Og í tónsmíðum eins og rómantíkunum „Lilac“, „Hér er gott“, í forleiknum í D-dúr og G-dúr hljómaði „tónlist söngkrafta náttúrunnar“ með ótrúlegri skarpskyggni.

En á sömu árum finnst líka önnur stemmning. Sorglegar hugsanir um móðurlandið og framtíðarörlög þess, heimspekilegar hugleiðingar um líf og dauða gefa tilefni til hörmulegra mynda af fyrstu píanósónötunni, innblásin af Faust eftir Goethe, sinfóníska ljóðinu „Eyja hinna dauðu“ byggt á málverki svissneska listamannsins. A. Böcklin (1909), margar blaðsíður þriðja konsertsins, rómantík op. 26. Innri breytingar urðu sérstaklega áberandi eftir 1910. Ef harmleikurinn er að lokum sigraður í þriðja konsertinum og konsertinn endar með fagnandi apóþeósu, þá dýpkar hann stöðugt í verkunum sem fylgdu og vekur líf árásargjarnar, fjandsamlegar myndir, drungalegar, niðurdrepandi skap. Tónlistarmálið verður flóknara, hinn breiði lagræni andardráttur sem er svo einkennandi fyrir Rachmaninov hverfur. Slík eru radd-sinfóníska ljóðið „Bjöllurnar“ (á St. E. Poe, þýtt af K. Balmont – 1913); rómantík op. 34 (1912) og op. 38 (1916); Etudur-málverk op. 39 (1917). Hins vegar var það á þessum tíma sem Rachmaninoff skapaði verk full af mikilli siðferðilegri merkingu, sem urðu persónugerving viðvarandi andlegrar fegurðar, hápunktur laglínu Rachmaninovs – „Vocalise“ og „All-Night Vigil“ fyrir kór a cappella (1915). „Frá barnæsku hef ég verið heilluð af stórkostlegum laglínum Oktoikh. Mér hefur alltaf fundist að það þurfi sérstakan, sérstakan stíl í kórvinnslu þeirra, og mér sýnist ég hafa fundið hann í vespunum. Ég get ekki annað en játað. að fyrsta flutningur hennar af kirkjukórnum í Moskvu veitti mér klukkutíma af ánægjulegri ánægju,“ rifjaði Rachmaninov upp.

Þann 24. desember 1917 yfirgáfu Rachmaninov og fjölskylda hans Rússland, eins og það kom í ljós, að eilífu. Í meira en aldarfjórðung bjó hann í framandi landi, í Bandaríkjunum, og þetta tímabil var að mestu fullt af þreytandi tónleikastarfsemi, háð grimmum lögmálum tónlistarbransans. Rachmaninov notaði verulegan hluta af þóknunum sínum til að veita samlanda sínum efnislegan stuðning erlendis og í Rússlandi. Þannig að allt safnið fyrir gjörninginn í apríl 1922 var flutt til hagsbóta fyrir sveltandi í Rússlandi og haustið 1941 sendi Rakhmaninov meira en fjögur þúsund dollara í hjálparsjóð Rauða hersins.

Erlendis bjó Rachmaninoff í einangrun og takmarkaði vinahóp sinn við innflytjendur frá Rússlandi. Undantekning var aðeins gerð fyrir fjölskyldu F. Steinway, yfirmanns píanófyrirtækisins, sem Rachmaninov átti vinsamleg samskipti við.

Fyrstu árin sem hann dvaldi erlendis, yfirgaf Rachmaninov ekki hugsunina um missi skapandi innblásturs. „Eftir að ég fór frá Rússlandi missti ég löngunina til að yrkja. Eftir að hafa misst heimalandið mitt missti ég sjálfan mig." Aðeins 8 árum eftir að hann fór erlendis snýr Rachmaninov aftur til sköpunar, skapar fjórða píanókonsertinn (1926), Þrír rússneskir söngvar fyrir kór og hljómsveit (1926), tilbrigði við Corelli-stef fyrir píanó (1931), Rapsódíu eftir stef eftir Paganini. (1934), Þriðja sinfónían (1936), "Sinfónískir dansar" (1940). Þessi verk eru síðasta, hæsta hækkun Rachmaninoff. Sorgleg tilfinning um óbætanlegt missi, brennandi þrá eftir Rússlandi gefur tilefni til listar með gríðarlega harmrænan kraft sem nær hámarki í Sinfóníudönsunum. Og í hinni ljómandi þriðju sinfóníu felur Rachmaninoff meginstef verks síns í síðasta sinn - ímynd föðurlandsins. Stranglega einbeitt ákafa hugsun listamannsins vekur hann úr aldadjúpi, hann rís upp sem óendanlega kær minning. Í flókinni fléttun fjölbreyttra þema, þátta, kemur fram víðsýnt sjónarhorn, dramatísk epic af örlögum föðurlandsins er endursköpuð sem endar með sigurvissri lífsstaðfestingu. Þannig að í gegnum öll verk Rachmaninoffs ber hann friðhelgi siðferðilegra meginreglna sinna, mikla andlega trú, trúmennsku og óumflýjanlega ást til móðurlandsins, persónugerving sem var list hans.

O. Averyanova

• Safneign Rachmaninov í Ivanovka →
• Píanóverk eftir Rachmaninoff →
• Sinfónísk verk Rachmaninoffs →
• Kammerhljóðfæralist Rachmaninovs →
• Óperuverk eftir Rachmaninoff →
• Kórverk eftir Rachmaninoff →
• Rómantík eftir Rachmaninoff →
• Rachmaninov-stjórnandi →

Einkenni sköpunargáfu

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, ásamt Skrjabíni, er einn af aðalpersónum rússneskrar tónlistar á 1900. áratugnum. Verk þessara tveggja tónskálda vöktu sérstaklega mikla athygli samtímamanna, þau deildu harðlega um það, snarpar prentaðar umræður hófust um einstök verk þeirra. Þrátt fyrir allt hið ólíka einstaklingsútlit og myndræna uppbyggingu tónlistar Rakhmanínovs og Skrjabíns, birtust nöfn þeirra oft hlið við hlið í þessum deilum og voru borin saman. Það voru eingöngu utanaðkomandi ástæður fyrir slíkum samanburði: báðir voru nemendur við tónlistarháskólann í Moskvu, sem útskrifuðust þaðan nánast samtímis og lærðu hjá sömu kennurum, báðir stóðu sig strax upp úr meðal jafningja með styrk og birtu hæfileika sinna, fengu viðurkenningu ekki aðeins sem hæfileikarík tónskáld, en einnig sem framúrskarandi píanóleikarar.

En það var líka ýmislegt sem skildi þá að og kom þeim stundum á ólíkar hliðar tónlistarlífsins. Hinn djarfi frumkvöðull Scriabin, sem opnaði nýja tónlistarheima, var andvígur Rachmaninov sem hefðbundnari listamanni sem byggði verk sín á traustum grunni hinnar klassísku þjóðararfs. „G. Rachmaninoff, skrifaði einn gagnrýnenda, er sú stoð sem allir meistarar hinnar raunverulegu stefnu eru flokkaðir um, allir þeir sem þykja vænt um grunninn sem Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov og Tchaikovsky lagði.

En þrátt fyrir allan muninn á stöðu Rachmaninovs og Skrjabíns í nútíma tónlistarveruleika þeirra, voru þeir sameinaðir ekki aðeins af almennum skilyrðum fyrir uppeldi og vexti skapandi persónuleika í æsku, heldur einnig af dýpri einkennum sameiginlegs eðlis. . "Uppreisnargjarn, eirðarlaus hæfileiki" - þannig var Rakhmaninov einu sinni einkenndur í blöðum. Það var þessi eirðarlausa hvatvísi, spennan í tilfinningaþrungnum tóni, einkennandi fyrir verk beggja tónskáldanna, sem gerði það sérstaklega kært og nálægt víðfeðmum hringum rússnesks samfélags í upphafi XNUMX. aldar með áhyggjufullum væntingum, vonum og vonum. .

„Skrijabín og Rakhmanínoff eru tveir „stjórnendur tónlistarhugsana“ í nútíma rússneska tónlistarheiminum <...> Nú deila þeir yfirráðum sín á milli í tónlistarheiminum,“ viðurkenndi LL Sabaneev, einn kappsamasti afsökunarbeiðandi fyrstu og jafn þrjóskur andstæðingur og andstæðingur seinni. Annar gagnrýnandi, hófsamari í dómum sínum, skrifaði í grein sem var helguð samanburðarlýsingu á þremur mest áberandi fulltrúum tónlistarskólans í Moskvu, Taneyev, Rachmaninov og Skrjabín: tón nútímans, hitaþrungið líf. Hvort tveggja eru bestu vonir nútíma Rússlands.“

Lengi vel var sýn á Rakhmaninoff sem einn af nánustu erfingjum og arftaka Tsjajkovskíjs ráðandi. Áhrif höfundar Spaðadrottningarinnar hafa eflaust átt stóran þátt í mótun og þróun verka hans, sem er alveg eðlilegt fyrir útskriftarnema frá Tónlistarskólanum í Moskvu, nemanda AS Arensky og SI Taneyev. Á sama tíma skynjaði hann einnig sum einkenni tónskáldaskólans „Pétursborgar“: spenntur textahöfundur Tsjaíkovskíjs er sameinaður í Rachmaninov við harkalega epíska stórfengleika Borodins, djúpri inngöngu Mússorgskíjs inn í kerfi fornrar rússneskrar tónlistarhugsunar og ljóðræna skynjun á upprunalegu eðli Rimsky-Korsakovs. Allt sem lærðist af kennurum og forverum var hins vegar djúpt endurhugsað af tónskáldinu, hlýddi sterkum sköpunarvilja hans og öðlaðist nýjan, algjörlega sjálfstæðan einstakling. Hinn djúpu frumlegi stíll Rachmaninov hefur mikla innri heilleika og lífrænni.

Ef við leitum að hliðstæðum hans í rússneskri listmenningu um aldamótin, þá er þetta fyrst og fremst línan Tsjekhov-Búnín í bókmenntum, ljóðræn landslag Levitans, Nesterovs, Ostroukhovs í málverkinu. Þessar hliðstæður hafa ýmsir höfundar ítrekað tekið eftir og eru orðnar nánast staðalímyndir. Það er vitað með hvaða brennandi ást og virðingu Rakhmaninov meðhöndlaði verk og persónuleika Chekhov. Þegar á seinni árum ævi sinnar, þegar hann las bréf rithöfundarins, sá hann eftir því að hafa ekki kynnst honum nánar á sínum tíma. Tónskáldið var tengt Bunin í mörg ár af gagnkvæmri samúð og sameiginlegum listrænum skoðunum. Þau komu saman og tengdust af ástríðufullri ást til innfæddrar rússnesku náttúrunnar, fyrir merki um einfalt líf sem þegar er að skilja eftir í næsta nágrenni manns til heimsins í kringum hann, ljóðrænu viðhorfi heimsins, litað af djúpum skarpskyggni texta, þorsta eftir andlegri frelsun og frelsun undan þeim fjötrum sem hefta frelsi manneskjunnar.

Uppspretta innblásturs fyrir Rachmaninov var margvíslegar hvatir sem komu frá raunveruleikanum, fegurð náttúrunnar, myndir af bókmenntum og málverki. „... ég finn,“ sagði hann, „að tónlistarhugmyndir fæðast í mér með meiri auðveldum hætti undir áhrifum ákveðinna utantónlistarlegra áhrifa. En á sama tíma leitaðist Rachmaninov ekki svo mikið eftir beinni endurspeglun ákveðinna fyrirbæra raunveruleikans með tónlist, að „mála í hljóð“, heldur að tjá tilfinningaleg viðbrögð sín, tilfinningar og upplifanir sem myndast undir áhrifum ýmissa ytra mótteknar birtingar. Í þessum skilningi getum við talað um hann sem einn af mest sláandi og dæmigerðustu fulltrúa ljóðræns raunsæis 900, en meginstefna þess var mótuð með góðum árangri af VG Korolenko: „Við endurspegli ekki bara fyrirbæri eins og þau eru og gera. ekki skapa tálsýn út af duttlunga sem ekki er til heimur. Við búum til eða birtum nýtt samband mannsandans við umheiminn sem er fæddur í okkur.

Eitt af því sem einkennir tónlist Rachmaninovs, sem fyrst og fremst vekur athygli þegar maður kynnist henni, er tjáningarmesta laglínan. Meðal samtíðarmanna sinna sker hann sig úr fyrir hæfileika sína til að skapa víða og langvarandi laglínur af mikilli öndun, sem sameinar fegurð og mýkt teikningarinnar með bjartri og sterkri tjáningu. Hljómsveit, laglína er aðaleiginleikinn í stíl Rachmaninovs, sem ræður að miklu leyti eðli harmoniskrar hugsunar tónskáldsins og áferð verka hans, mettuð að jafnaði með sjálfstæðum röddum, sem ýmist færast í sviðsljósið eða hverfa í þétta þéttleika. hljóð efni.

Rachmaninoff bjó til sína eigin mjög sérstaka tegund laglínu, byggða á blöndu af einkennandi tækni Tsjajkovskíjs – öflugri kraftmikilli melódískri þróun með afbrigðum umbreytinga, unnin á auðveldari og rólegri hátt. Eftir hratt flugtak eða langa ákafa uppgöngu upp á toppinn, frýs laglínan sem sagt á náðu stigi, snýr undantekningarlaust aftur í eitt langsungið hljóð, eða hægt og rólega, með svífandi stalla, fer aftur í upphaflega hæð. Hið gagnstæða samband er líka mögulegt, þegar meira og minna langvarandi dvöl á einu takmörkuðu háhæðarsvæði er skyndilega rofin af gangi laglínunnar í vítt millibili, sem kynnir skugga af skörpum ljóðrænni tjáningu.

Í slíkri innbyrðis innbyrðis dýnamík og kyrrstöðu, sér LA Mazel eitt af einkennandi eiginleikum laglínunnar Rachmaninovs. Annar rannsakandi leggur almennari merkingu við hlutfall þessara meginreglna í verkum Rachmaninovs og bendir á skiptingu augnablika „hemlunar“ og „byltingar“ sem liggja að baki mörgum verka hans. (V.B. Bobrovsky lætur í ljós svipaða hugmynd og bendir á að „kraftaverkið um sérstöðu Rachmaninoffs felist í einstakri lífrænni einingu tveggja öfugstýrðra tilhneiginga og samruna þeirra sem felst aðeins í honum“ – virkri þrá og tilhneigingu til að „vera lengi við það sem verið hefur. náð.“). Hneigð til íhugunartexta, langvarandi dýfingar í eitthvert hugarástand, eins og tónskáldið vildi stöðva hverfula tíma, sameinaðist honum mikilli, þjótandi ytri orku, þorsta eftir virkri sjálfsstaðfestingu. Þess vegna styrkur og skerpa andstæðna í tónlist hans. Hann leitaðist við að koma hverri tilfinningu, sérhverju hugarástandi í öfgakennd tjáningarstig.

Í ljóðrænum laglínum Rachmaninovs, sem þróast frjálslega, með langa, óslitna andardrætti, heyrir maður oft eitthvað í ætt við hina „óumflýjanlegu“ breidd hins rússneska langvarandi þjóðlags. Samhliða því voru tengsl sköpunargáfu Rachmaninovs við þjóðlagasmíði hins vegar afar óbeins eðlis. Aðeins í sjaldgæfum einstökum tilfellum greip tónskáldið til þess að nota ósvikin þjóðlög; hann sóttist ekki eftir beinu líkingu eigin laglína og þjóðlaga. „Í Rachmaninov,“ segir höfundur sérstaks verks um laglínur sínar réttilega, „birtist sjaldan beint tengsl við ákveðnar tegundir þjóðlistar. Nánar tiltekið virðist tegundin oft leysast upp í almennri „tilfinningu“ þjóðarinnar og er ekki, eins og það var með forvera hans, upphafið að öllu ferlinu að móta og verða tónlistarímynd. Ítrekað hefur verið vakin athygli á slíkum einkennum laglínu Rachmaninovs, sem færa það nær rússneska þjóðlaginu, svo sem sléttri hreyfingum með yfirgnæfandi þrepalegum hreyfingum, díatóník, gnægð frygískra beygja o.s.frv. Djúpt og lífrænt tileinkað sér. af tónskáldinu verða þessi einkenni ófrávíkjanlegur eiginleiki einstakra höfundarstíls hans og öðlast sérstakan svipmikinn lit sem er sérkennilegur aðeins honum.

Hin hliðin á þessum stíl, jafn ómótstæðilega áhrifamikil og melódískan auðlegð tónlistar Rachmaninovs, er óvenju kraftmikill, ofboðslega sigrandi og um leið sveigjanlegur, stundum duttlungafullur taktur. Bæði samtímamenn tónskáldsins og síðar rannsakendur skrifuðu mikið um þennan sérstaklega Rachmaninoff hrynjandi, sem vekur ósjálfrátt athygli hlustandans. Oft er það takturinn sem ræður megintón tónlistarinnar. AV Ossovsky benti á árið 1904 varðandi síðasta þátt annarrar svítu fyrir tvö píanó að Rachmaninov í henni „var óhræddur við að dýpka taktfastan áhuga Tarantella formsins fyrir eirðarlausri og myrkvaðri sál, ekki framandi árásum einhvers konar djöfla. sinnum."

Hrynjandi birtist í Rachmaninov sem burðarefni áhrifaríkrar viljugarreglu sem virkar tónlistarefnið og kynnir ljóðrænt „tilfinningaflóð“ inn í meginstraum samræmdrar byggingarfræðilega heildarheildar. BV Asafiev, sem bar saman hlutverk rytmísku meginreglunnar í verkum Rachmaninov og Tchaikovsky, skrifaði: „Hins vegar, í þeirri síðarnefndu, birtist grundvallareðli „eirðarlausrar“ sinfóníu hans af sérstökum krafti í dramatískum árekstri stefanna sjálfra. Í tónlist Rachmaninovs, reynist hið mjög ástríðufulla í skapandi heilindum, sameining texta-íhuguls vöruhúss tilfinningar við viljasterkt skipulagsgeymslu „ég“ tónskáldsins og flytjandans vera það „einstaklinga svið“ persónulegrar íhugunar, sem var stjórnað af hrynjandi í merkingu viljastuðlsins … “. Taktmynstrið í Rachmaninov er alltaf mjög skýrt útlistað, óháð því hvort takturinn er einfaldur, jafnvel, eins og þungir, mældir slög stórrar bjöllu, eða flókinn, margbrotinn blómlegur. Uppáhalds hjá tónskáldinu, sérstaklega í verkum 1910, gefur taktfast ostinat taktinum ekki aðeins mótandi, heldur í sumum tilfellum einnig þematíska þýðingu.

Á sviði samhljómsins fór Rachmaninoff ekki út fyrir klassíska dúr-moll kerfið í þeirri mynd sem það öðlaðist í verkum evrópskra rómantískra tónskálda, Tchaikovsky og fulltrúa Mighty Handful. Tónlist hans er alltaf tónaskilgreind og stöðug, en með því að nota aðferðirnar til klassísks-rómantískrar tónsamræmis einkenndist hann af einhverjum einkennandi einkennum sem ekki er erfitt að koma á höfundarrétti eins eða annarrar tónsmíða. Meðal slíkra einstakra sérkenna í harmónísku tungumáli Rachmaninovs er til dæmis vel þekkt hægfara starfrænnar hreyfingar, tilhneigingin til að vera í einum tóni í langan tíma og stundum veikingu þyngdaraflsins. Athygli er vakin á gnægð flókinna fjöl-terta mynda, raðir af ó- og ótugahljómum, sem oft hafa litríkari, hljóðræna en hagnýta þýðingu. Tenging flókinna harmónía af þessu tagi fer að mestu fram með hjálp melódískrar tengingar. Yfirburðir melódísks-lagsins í tónlist Rachmaninovs ákvarðar mikla fjölradda mettun hljóðefnisins: einstakar harmónískar fléttur myndast stöðugt vegna frjálsrar hreyfingar meira og minna sjálfstæðra „söngradda“.

Það er ein uppáhalds harmónísk beygja eftir Rachmaninoff, sem hann notaði svo oft, sérstaklega í tónsmíðum fyrri tíma, að hann fékk meira að segja nafnið „Rachmaninov's harmony“. Þessi velta er byggð á minnkaðri inngangssjöundu hljómi í harmónískum moll, venjulega notaður í formi terzkvartakkords með því að skipta út II gráðu III og upplausn í tónþríleik í melódískri þriðju stöðu.

Flutningurinn í minnkaðan kvart sem kemur upp í þessu tilfelli í melódísku röddinni vekur upp áberandi sorgartilfinningu.

Sem einn af merkilegum eiginleikum tónlistar Rachmaninovs bentu ýmsir rannsakendur og áhorfendur á ríkjandi smálitun hennar. Allir fjórir píanókonsertar hans, þrjár sinfóníur, báðar píanósónötur, flestar etúdurnar-myndirnar og mörg önnur tónverk voru samin í moll. Jafnvel dúr fær oft minniháttar lit vegna minnkandi breytinga, tónfrávika og útbreiddrar notkunar á minniháttar hliðarsporum. En fá tónskáld hafa náð jafn margvíslegum blæbrigðum og stigum tjáningarlegrar einbeitingar í notkun á moll tóntegundinni. Athugasemd LE Gakkels um að í etudum-málverkunum op. 39 „miðað við breiðasta úrval smálita tilverunnar, minni litbrigði lífstilfinningarinnar“ má útvíkka til umtalsverðs hluta allra verka Rachmaninoffs. Gagnrýnendur eins og Sabaneev, sem bar fordómafulla andúð á Rachmaninov, kölluðu hann „greindan vælukjós“, en tónlist hans endurspeglar „hörmulegt hjálparleysi manns sem er gjörsneyddur viljastyrk“. Á sama tíma hljómar þéttur „dökk“ moll Rachmaninovs oft hugrakkur, mótmælandi og fullur af gífurlegri viljaspennu. Og ef sorglegir tónar nást í eyrað, þá er þetta „göfug sorg“ föðurlandslistamannsins, þessi „þögla andvarp um heimalandið“, sem M. Gorky heyrði í sumum verkum Bunins. Eins og þessi rithöfundur, sem var nákominn honum í anda, hugsaði Rachmaninov, með orðum Gorkís, "hugsun um Rússland í heild sinni", iðraðist taps síns og upplifði kvíða fyrir örlögum framtíðarinnar.

Sköpunarmynd Rachmaninovs í aðaleinkennum hélst óaðskiljanlegur og stöðugur alla hálfrar aldar ferðalag tónskáldsins, án þess að upplifa skarpa brot og breytingar. Fagurfræðilegar og stílfræðilegar meginreglur, lærðar í æsku, var hann trúr síðustu æviárin. Engu að síður getum við fylgst með ákveðinni þróun í verkum hans, sem lýsir sér ekki aðeins í aukinni færni, auðgun hljóðpallettunnar, heldur hefur hún að hluta áhrif á myndræna og tjáningarlega uppbyggingu tónlistar. Á þessari braut eru þrjú stór, þó misjöfn bæði að lengd og framleiðni, skýrt útlistuð. Þau eru afmörkuð hvert frá öðru af meira og minna löngum tímabundnum keisurum, efasemdum, íhugun og hik, þegar ekki eitt einasta verk sem kom út úr penna tónskáldsins. Fyrsta tímabilið, sem fellur á 90. aldar XNUMX. aldar, er hægt að kalla tími skapandi þróunar og þroska hæfileika, sem fór til að staðfesta leið sína með því að sigrast á náttúrulegum áhrifum á unga aldri. Verk þessa tímabils eru oft ekki enn nógu sjálfstæð, ófullkomin að formi og áferð. (Sum þeirra (Fyrsti píanókonsert, Elegiac Trio, píanóverk: Melody, Serenade, Humoresque) voru síðar endurskoðuð af tónskáldinu og áferð þeirra var auðguð og þróuð.), þó að á mörgum síðum þeirra (bestu augnablikum æskuóperunnar „Aleko“, Elegiatríóinu til minningar um PI Tchaikovsky, hinn fræga prelúdíu í c-moll, sumum tónlistarstundum og rómantíkum), sé einstaklingseinkenni tónskáldsins. hefur þegar komið fram með nægri vissu.

Óvænt hlé kemur árið 1897, eftir misheppnaðan flutning fyrstu sinfóníu Rachmaninovs, verks þar sem tónskáldið lagði mikla vinnu og andlega orku í, sem flestum tónlistarmönnum var misskilið og nánast einróma fordæmt á síðum blaðanna, jafnvel gert að athlægi. af sumum gagnrýnendum. Bilun sinfóníunnar olli djúpu andlegu áfalli í Rachmaninoff; Samkvæmt eigin, síðari játningu, „var hann eins og maður sem fékk heilablóðfall og missti lengi bæði höfuð og hendur. Næstu þrjú ár voru ár af nánast algjörri skapandi þögn, en um leið einbeittar hugleiðingar, gagnrýnt endurmat á öllu sem áður var gert. Afleiðingin af þessu ákafa innra starfi tónskáldsins á sjálfum sér var óvenju mikil og björt sköpunarupphlaup í upphafi nýrrar aldar.

Á fyrstu þremur eða fjórum árum 23. aldar skapaði Rakhmaninov fjölda verka af ýmsum tegundum, merkileg fyrir djúpan ljóð þeirra, ferskleika og skjótan innblástur, þar sem auðlegð skapandi ímyndunarafls og frumleika „rithönd“ höfundarins. eru ásamt hágæða handverki. Þar á meðal eru seinni píanókonsertinn, önnur svítan fyrir tvö píanó, sónatan fyrir selló og píanó, kantötuna „Vor“, tíu prelúdíur op. XNUMX, óperan „Francesca da Rimini“, nokkur af bestu dæmunum um söngtexta Rachmaninovs („Lilac“, „Útdráttur úr A. Musset“), Þessi röð verka staðfesti stöðu Rachmaninoffs sem eitt stærsta og áhugaverðasta rússneska tónskáldið. okkar tíma, sem færir honum víðtæka viðurkenningu í hringjum listgreindra gáfumanna og meðal fjölda áheyrenda.

Tiltölulega stutt tímabil frá 1901 til 1917 var það frjósamasta í verkum hans: á þessum einum og hálfum áratug voru flest þroskuð, sjálfstæð í stíl verka Rachmaninov samin, sem urðu órjúfanlegur hluti af innlendum söngleikjaklassík. Næstum á hverju ári færðu nýjar ópusar, útlit þeirra varð eftirtektarverður viðburður í tónlistarlífinu. Með óstöðvandi skapandi virkni Rachmaninoffs stóð verk hans ekki óbreytt á þessu tímabili: um fyrstu tvo áratugina eru einkenni bruggbreytinga áberandi í því. Án þess að tapa almennum „almennu“ eiginleikum sínum verður hún harðari í tóni, truflandi skap eykst, á sama tíma og bein úthelling ljóðrænnar tilfinningar virðist hægja á sér, ljósir gagnsæir litir birtast sjaldnar á hljóðtöflu tónskáldsins, heildarlit tónlistarinnar dökknar og þykknar. Þessar breytingar eru áberandi í annarri seríu píanóforleiks, op. 32, tvær lotur af etudum-málverkum, og sérstaklega svo stórkostlegum stórum tónverkum eins og „Bjöllurnar“ og „All-Night Vigil“, sem setja fram djúpar grundvallarspurningar um mannlega tilveru og lífstilgang mannsins.

Þróunin sem Rachmaninov upplifði fór ekki framhjá athygli samtímamanna hans. Einn af gagnrýnendunum skrifaði um Bjöllurnar: „Rakhmaninov virðist vera farinn að leita að nýjum stemningum, nýjum hætti til að tjá hugsanir sínar … Þú finnur hér endurfæddan nýja stíl Rachmaninov, sem á ekkert sameiginlegt með stíl Tchaikovsky. ”

Eftir 1917 hefst nýtt hlé á verkum Rachmaninovs, að þessu sinni mun lengra en það fyrra. Fyrst eftir heilan áratug fór tónskáldið aftur að semja tónlist, eftir að hafa útsett þrjú rússnesk þjóðlög fyrir kór og hljómsveit og lokið fjórða píanókonsertinum, sem hófst í aðdraganda fyrri heimsstyrjaldar. Á þriðja áratugnum skrifaði hann (fyrir utan nokkrar tónleikauppskriftir fyrir píanó) aðeins fjórar, þó mikilvægar hvað varðar hugmyndina um stórverk.

* * *

Í umhverfi flókinnar, oft mótsagnakenndra leitar, harðrar og ákafurrar stefnubaráttu, niðurbrots á hefðbundnum formum listrænnar meðvitundar sem einkenndi þróun tónlistarlistar á fyrri hluta XNUMX. aldar, var Rachmaninoff trúr hinni miklu klassísku. hefðir rússneskrar tónlistar frá Glinka til Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov og nánustu, beinustu nemendur þeirra og fylgjendur Taneyev, Glazunov. En hann takmarkaði sig ekki við hlutverk verndara þessara hefða, heldur skynjaði þær á virkan og skapandi hátt, fullyrti um lifandi, ótæmandi kraft þeirra, getu til frekari þróunar og auðgunar. Næmur, áhrifamikill listamaður, Rachmaninov, þrátt fyrir að hafa fylgt boðorðum klassíkarinnar, var ekki heyrnarlaus fyrir köllum nútímans. Í viðhorfi hans til nýrra stílbragða XNUMX. aldar var augnablik ekki aðeins árekstra heldur einnig ákveðins samspils.

Á hálfri öld hefur verk Rachmaninovs tekið umtalsverðri þróun og verk ekki aðeins þriðja áratugarins, heldur einnig þess tíunda, eru verulega frábrugðin bæði í myndrænni uppbyggingu og tungumáli, tjáningarmáta tónlistar frá upphafi, ekki enn. algjörlega sjálfstæðar ópusar af enda þess fyrri. aldir. Í sumum þeirra kemst tónskáldið í snertingu við impressjónisma, symbolisma, nýklassík, þó að hann skynji á mjög sérkennilegan hátt þætti þessara strauma. Með öllum breytingunum og beygjunni hélst skapandi ímynd Rachmaninovs innra með sér mjög óaðskiljanlegur og hélt þeim grunneinkennum, skilgreinandi eiginleikum sem tónlist hans á vinsældir sínar að þakka fyrir breiðasta hóp hlustenda: ástríðufullur, grípandi texta, sannleikur og einlægni tjáningar, ljóðræn sýn á heiminn .

Yu. Láttu ekki svona

Rachmaninoff hljómsveitarstjóri

Rachmaninov fór í sögubækurnar, ekki aðeins sem tónskáld og píanóleikari, heldur einnig sem framúrskarandi hljómsveitarstjóri samtímans, þótt þessi hlið starfsemi hans hafi ekki verið svo löng og mikil.

Rachmaninov þreytti frumraun sína sem hljómsveitarstjóri haustið 1897 í einkaóperunni Mamontov í Moskvu. Fyrir það þurfti hann ekki að leiða hljómsveit og læra hljómsveitarstjórn, en ljómandi hæfileiki tónlistarmannsins hjálpaði Rachmaninoff fljótt að læra leyndarmál leikni. Nægir að minna á að hann náði varla að klára fyrstu æfinguna: hann vissi ekki að söngvararnir þyrftu að gefa til kynna kynningar; og nokkrum dögum síðar hafði Rachmaninov þegar unnið starf sitt fullkomlega og stjórnað óperunni Samson og Delilah eftir Saint-Saens.

„Árið sem ég dvaldi í Mamontov-óperunni skipti mig miklu máli,“ skrifaði hann. „Þar öðlaðist ég ósvikna hljómsveitartækni, sem síðar þjónaði mér mjög vel. Á meðan hann starfaði sem annar stjórnandi leikhússins, stjórnaði Rachmaninov tuttugu og fimm sýningum á níu óperum: "Samson og Delilah", "Hafmeyjan", "Carmen", "Orpheus" eftir Gluck, "Rogneda" eftir Serov, " Mignon" eftir Tom, "Askold's Grave", "The Enemy strength", "May night". Pressan tók strax eftir skýrum stílhljómsveitarstjóra hans, náttúruleika, skort á stellingu, járnskyni fyrir takti sem fluttist til flytjenda, viðkvæman smekk og dásamlegt tilfinningu fyrir hljómsveitarlitum. Með reynsluöfluninni fóru þessi einkenni Rachmaninoffs sem tónlistarmanns að gera vart við sig til hins ýtrasta, auk þess sem sjálfstraust og vald í starfi með einsöngvurum, kór og hljómsveit.

Á næstu árum stjórnaði Rachmaninoff, sem var upptekinn af tónsmíðum og píanóleik, aðeins stöku sinnum. Blómatími hljómsveitarhæfileika hans er á tímabilinu 1904-1915. Í tvö tímabil hefur hann starfað í Bolshoi leikhúsinu þar sem túlkun hans á rússneskum óperum nýtur sérstakrar velgengni. Sögulegir atburðir í lífi leikhússins eru af gagnrýnendum kallaðir afmælissýning Ivan Susanin, sem hann stjórnaði til heiðurs aldarafmæli fæðingar Glinka, og Tchaikovsky's Week, þar sem Rachmaninov stjórnaði Spaðadrottningunni, Eugene Onegin, Oprichnik. og ballett.

Síðar stýrði Rachmaninov flutningi Spaðadrottningarinnar í Pétursborg; gagnrýnendur voru sammála um að það væri hann sem var fyrstur til að skilja og miðla áhorfendum alla hörmulega merkingu óperunnar. Meðal skapandi árangurs Rachmaninovs í Bolshoi-leikhúsinu er einnig uppsetning hans á Pan Voevoda eftir Rimsky-Korsakov og eigin óperur hans Hinn vesæli riddari og Francesca da Rimini.

Á sinfóníusviðinu reyndist Rachmaninov frá fyrstu tónleikum sem algjör meistari á stórum skala. Nafnið „snilld“ fylgdi vissulega umsögnum um frammistöðu hans sem hljómsveitarstjóra. Oftast kom Rachmaninoff fram við hljómsveitarstjórastandinn á tónleikum Fílharmóníufélagsins í Moskvu, sem og með hljómsveitunum Siloti og Koussevitzky. Á árunum 1907-1913 stjórnaði hann mikið erlendis - í borgum Frakklands, Hollands, Bandaríkjanna, Englands, Þýskalands.

Efnisskrá Rachmaninovs sem hljómsveitarstjóra var óvenju fjölþætt á þessum árum. Hann gat slegið inn í hið fjölbreyttasta í stíl og eðli verksins. Eðlilega stóð rússnesk tónlist honum næst. Hann endurvakaði á sviðinu Bogatýrsinfóníu Borodins, sem var næstum gleymd á þeim tíma, stuðlaði að vinsældum smámynda Lyadovs, sem hann flutti með einstakri snilld. Túlkun hans á tónlist Tsjajkovskíjs (sérstaklega 4. og 5. sinfóníur) einkenndist af óvenjulegri þýðingu og dýpt; í verkum Rimsky-Korsakovs tókst honum að afhjúpa skærasta litasviðið fyrir áhorfendur og í sinfóníum Borodin og Glazunov heillaði hann áhorfendur með epískri breidd og dramatískri heilleika túlkunar.

Einn af hápunktum hljómsveitarlistar Rachmaninovs var túlkun g-moll sinfóníu Mozarts. Gagnrýnandinn Wolfing skrifaði: „Hvað þýða margar skrifaðar og prentaðar sinfóníur fyrir flutning Rachmaninovs á g-moll sinfóníu Mozarts! … Rússneski listsnillingurinn umbreytti í annað sinn og sýndi listrænt eðli höfundar þessarar sinfóníu. Við getum ekki aðeins talað um Mozart eftir Pushkin, heldur líka um Mozart eftir Rachmaninov...“

Samhliða þessu finnum við mikið af rómantískri tónlist í dagskrá Rachmaninovs – til dæmis Stórkostlega sinfóníu Berlioz, sinfóníur Mendelssohns og Franck, Oberon-forleikur Webers og brot úr óperum Wagners, ljóð Liszts og ljóðasvítu Griegs… Og við hliðina – stórkostlegur flutningur nútímahöfunda – sinfónísk ljóð eftir R. Strauss, verk impressjónista: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … Og auðvitað var Rachmaninov óviðjafnanlegur túlkandi eigin sinfónískra tónverka. Hinn þekkti sovéski tónlistarfræðingur V. Yakovlev, sem heyrði Rachmaninov oftar en einu sinni, rifjar upp: „Ekki aðeins almenningur og gagnrýnendur, reyndir hljómsveitarmeðlimir, prófessorar, listamenn viðurkenndu forystu hans sem æðsta punktinn í þessari list … vinnuaðferðir hans voru minnkað ekki svo mikið í sýningu, heldur að aðskilja athugasemdir, meint útskýringar, oft söng hann eða í einni eða annarri mynd útskýrði það sem hann hafði áður hugsað. Allir sem voru viðstaddir tónleika hans muna eftir þessum breiðu, einkennandi látbragði allrar handa, sem koma ekki aðeins frá penslinum; stundum þótti hljómsveitarmeðlimum þessum látbragði hans óhóflegt, en þeir voru honum kunnugir og skildu. Það var engin gervi í hreyfingum, stellingum, engin áhrif, engin handteikning. Það var takmarkalaus ástríðu, á undan hugsun, greining, skilningur og innsýn í stíl flytjandans.

Við skulum bæta því við að Rachmaninoff hljómsveitarstjóri var líka óviðjafnanlegur samleiksleikari; Einsöngvarar á tónleikum hans voru listamenn eins og Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals og í óperuuppfærslum Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Eftir 1913 neitaði Rachmaninoff að flytja verk eftir aðra höfunda og stjórnaði aðeins eigin tónverkum. Aðeins árið 1915 vék hann frá þessari reglu með því að halda tónleika til minningar um Skrjabín. En jafnvel síðar var orðspor hans sem hljómsveitarstjóra óvenju hátt um allan heim. Skemmst er frá því að segja að strax eftir komuna til Bandaríkjanna árið 1918 var honum boðin leiðtogi stærstu hljómsveita landsins – í Boston og Cincinnati. En á þeim tíma gat hann ekki lengur helgað sig hljómsveitarstjórninni, neyddur til að stunda ákaft tónleikastarf sem píanóleikari.

Fyrst haustið 1939, þegar hringur tónleika úr verkum Rachmaninovs var skipulagður í New York, féllst tónskáldið á að stjórna einum þeirra. Fíladelfíuhljómsveitin flutti síðan þriðju sinfóníuna og klukkurnar. Hann endurtók sömu dagskrá árið 1941 í Chicago og ári síðar stjórnaði hann flutningi á „Isle of the Dead“ og „Symphonic Dances“ í Egan Arbor. Gagnrýnandi O. Daune skrifaði: „Rakhmaninov sannaði að hann hefur sömu kunnáttu og stjórn á frammistöðu, músík og skapandi krafti, sem leiðir hljómsveitina, sem hann sýnir þegar hann spilar á píanó. Karakterinn og stíllinn í leik hans, sem og leikstjórn hans, slær af æðruleysi og öryggi. Það er sama fullkomna fjarveran af yfirlæti, sama virðingartilfinninguna og augljósa afturhaldið, sama aðdáunarverða valdsviðið. Upptökur á The Island of the Dead, Vocalise og þriðju sinfóníuna sem gerðar voru á þeim tíma hafa varðveitt fyrir okkur vísbendingar um hljómsveitarlist hins frábæra rússneska tónlistarmanns.

L. Grigoriev, J. Platek